Lo principal que no saben las personas no teatrales es qué hacen los actores para retratar a sus personajes. En un nivel, es obvio: pretenden. Eso es cierto, pero cuando los no actores descubren rápidamente si tratan de actuar, es difícil, especialmente cuando tienes que hablar con las palabras de alguien más. Lo que quiero decir con “duro” es que es un reto fingir convincentemente , de una manera que hará que la gente olvide que lo estás fingiendo.
No existe un sistema universal de actuación, y algunos actores son naturalmente dotados. Obviamente están haciendo algo , pero están tan desconcertados como todos los demás. “No sé cómo lo hago. Simplemente lo hago”.
Stan el hombre
Muchos actores, los que no funcionan completamente por instinto, dependen de alguna variante del sistema de Stanislavsky. Constantin Stanislavski (1863 – 1938) desarrolló las técnicas principales que la mayoría de los actores entrenados usan hoy en día (o al menos las técnicas que se enseñan en la escuela de teatro, ya sea que las usen o no). De hecho, Stanislavsky desarrolló dos conjuntos de técnicas, aunque finalmente rechazó la primera de las dos. Pero a medida que se hizo influyente (especialmente en Estados Unidos), lo cubriré.
Su técnica posterior, ahora su más popular, involucra objetivos . No hay una terminología establecida, pero muchos actores usan los términos intensiones u objetivos. Me quedo con los “objetivos” para este post. La idea es que intentar emitir es demasiado generalizado como para ser interesante y poco confiable. Tal vez en una película, y el actor puede salirse con la suya tratando de inducir tristeza o lujuria en sí mismo, pero es poco probable que funcione noche tras noche, para cientos de actuaciones. ¿Qué pasa si, en una noche determinada, “no lo sientes”?
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Entonces, Stanislavsky instó a los actores a evitar las emociones y centrarse en los objetivos. Los actores a veces bromean sobre los malos directores que les dicen “estar contentos” o “enfurecerse”. Aprenden a traducir estas instrucciones en metas.
La idea es que, en cada momento de cada escena, un personaje quiere algo o, mejor aún, necesita algo. Ese es su objetivo. En la mayoría de los casos, él quiere o necesita algo de otro personaje con el que está en el escenario. En lugar de tratar de emote, intentará perseguir estos objetivos. En la medida de lo posible sin poner en peligro a nadie, el actor intentará perseguir sus objetivos en lugar de pretenderlo. A la audiencia le parecerá real porque es real. Lo que estás viendo es un actor que intenta lograr algo.
Así que si mi objetivo es besar a Julieta o atacar a Romeo, realmente trataré de besarla y atacarle. (Es común expresar objetivos como verbos infinitivos: besar, atacar, menospreciar, engañar …) Los objetivos deben ser específicos y potencialmente alcanzables.
Como director, podría preguntar a un actor (que tiene problemas para parecer auténtico), “¿Cuál es tu objetivo en esta escena?”
Si él dice “para seducirla”, podría preguntar: “¿Y cómo intentas hacer eso?” Si luego dice: “Oh, en realidad no lo soy. Mi personaje no cree que alguna vez se sentirá atraída por él”, le pediré al actor que elija otro objetivo.
Tal vez él quiera su compasión; Tal vez él quiere herirla por rechazarlo. Sea lo que sea, debe ser algo que pueda imaginar lograr, para que pueda seguirlo con entusiasmo.
En algún momento, los personajes lograrán sus objetivos o perderán la batalla. En ese punto, si la escena continúa, deben cambiar de objetivo. “Ahora que has fallado en seducirla, ¿cuál es tu objetivo?”
“A huir.”
“Entonces, ¿por qué te quedas en la habitación?”
“Porque tengo que encontrar una manera de irme que no me haga parecer débil”.
Para todos los objetivos, si van a ser interesantes y jugables durante más de un segundo, debe haber obstáculos . Eso es lo que genera conflicto. Un obstáculo podría ser externo al personaje: “Bueno, no puedo simplemente irme, porque estoy encerrado en la habitación con ella”. O podría ser interno, como “Necesito huir de una manera que no me haga parecer débil”.
Muchos actores repasan sus guiones e intentan proponer objetivos jugables y obstáculos difíciles. Este es un tipo interesante de análisis de guión que está parcialmente dictado por el guión (las metas de uno no pueden estar en desacuerdo con el texto) y en parte inventado por el actor.
Dos actores pueden jugar la misma escena con diferentes objetivos. Cuando Hamlet se sienta a través de la coronación de Claudio sin decir nada, ¿está tratando de huir (escapando hacia adentro) o está tratando de burlarse de Claudio (negándose a mostrar alguna deferencia o entusiasmo)? Ambos objetivos funcionarán. El actor debe usar el que más le emocione.
El secreto de un actor.
El punto nunca es comunicar el objetivo a la audiencia. En el ejemplo de “Hamlet”, digamos que el actor ha elegido huir (a su mente) al sentarse allí mientras piensa en otra cosa, como a menudo hacemos cuando nos vemos obligados a asistir a conferencias aburridas.
Después de la obra, los miembros de la audiencia podrían discutir sobre lo que estaba haciendo. Uno podría insistir en que Hamlet se estaba alejando; otro podría decir: “¡No! ¿No lo ves? ¡Fue un acto de desafío intencional!” Eso está bien y animado. Es el trabajo del guión contar la historia. El actor solo debe encontrar un objetivo para que pueda mantenerse comprometido y parecer sincero, convincente. Y la mejor manera de ser convincente es intentar lograr un objetivo real.
¿Dónde está la salida?
La mayoría de las veces, los actores eligen objetivos que son fáciles de extraer del guión. Y, con suerte, nada de lo que elijan hace que se conviertan en actuaciones contrarias al guión. Pero a veces los actores juegan trucos.
Una vez estuve en una obra donde otro actor tuvo que reprenderme durante tres minutos, llamándome todo tipo de nombres mientras no decía nada. Tuve que enfrentar a la audiencia durante esto, y supe que me estarían mirando para ver cómo reaccionaba ante el aluvión de insultos.
Tal vez un mejor actor podría haber escuchado el discurso y reaccionado de manera natural. Y, de hecho, eso es lo que la mayoría de los actores tratan de hacer. Por lo general, funciona para mí, pero el discurso fue simplemente demasiado largo. Descubrí que no podía simplemente escuchar y escuchar y escuchar, y no desvanecerme después de un tiempo, especialmente después de muchas actuaciones. Y me fue difícil jugar un gol, porque no tenía líneas. Ni siquiera me enfrenté al actor que me estaba insultando, así que no podía “echarle una mirada”.
Mi solución consistía en una señal de salida, que podía ver por encima de las cabezas de la audiencia, en la parte posterior del teatro. Traté de hacerlo explotar con mi mente. Decidí que si podía hacerlo explotar, el otro actor se callaría y dejaría de insultarme. Intenté hacer que explotara.
Lo fascinante es que me elogiaron por mi actuación en esta escena. Mucha gente me dijo que podían ver lo molesta y furiosa que estaba por los insultos. Sospecho que esto se debe a que encontré un objetivo que me era convincente, tan tonto como era.
Fue una especie de truco, porque no había una señal de salida en el guión, y no había ninguna razón basada en el texto para que asumiera que el personaje tenía poderes mágicos. Pero emocionalmente, estaba en sintonía con el guión. Mi personaje hubiera querido que el otro personaje se callara. Si hubiera estado frente a él, podría haber tratado de hacer que su cabeza explotara. Ya que mi espalda estaba vuelta, elegí la señal de salida, en su lugar.
Si está interesado en leer más sobre este sistema basado en objetivos, le recomiendo A Practical Handbook for the Actor, que también es un excelente libro para escritores de ficción, y para cualquier persona que quiera una nueva forma de pensar sobre historias y personajes. Otro libro fantástico, que sugiero leer después de “Un manual práctico”, si todavía estás interesado en el tema, es El actor y el objetivo.
Aunque esto sea una locura, sin embargo, no hay método in
Mencioné que a Stanislavsky se le ocurrieron dos técnicas. Al principio de su carrera, descubrió o inventó un concepto que denominó “memoria sensorial”, en el que el actor intenta relacionar lo que su personaje está pasando con algo en la vida real, no solo intelectualmente sino también sensualmente.
En otras palabras, si tiene que interpretar a un personaje que se está perdiendo en el ártico, debe pararse en un congelador durante un par de horas para sentir cómo es. Y mientras actúas, deberías recordar ese sentimiento. O cuando interpretas una escena en la que tu personaje está de luto por la muerte de un ser querido, debes tratar de recordar cómo te sentiste cuando murió alguien que amabas.
Aunque Stanislavsky abandonó esto por su sistema basado en objetivos, se retomó en Estados Unidos, donde se conoció como Método de actuación. Es por eso que escuchas que los Actores del Método van a los extremos, como permanecer en el personaje incluso en los descansos o pasar meses vistiendo la ropa que usan sus personajes.
Este sistema ha sido abandonado en gran parte, aunque hay algunos practicantes notables como Daniel Day Lewis. Y diría que muchos actores, aunque no llegan a estos extremos, utilizan las técnicas de Methody a veces. Se trata realmente de “lo que sea que funcione”.
Yo diría que, en general, es mucho más fácil utilizar el Método que actúa en una película que en el escenario. Los actores de cine solo tienen que “entrar en la lata”. Los actores de teatro deben repetir sus actuaciones noche tras noche.
¿Cómo aprenden todas esas líneas?
Esta es la otra cosa que desconcierta a la gente. El secreto es que no hay secreto. Aparte de unos pocos patos afortunados con recuerdos fotográficos, los actores lo hacen palabra por palabra, durante días o semanas.
Mucha gente siente que “nunca podría hacer eso”, pero ellos sí podrían. Cualquier persona con una memoria de trabajo normal es capaz de hacerlo con un montón de trabajo duro. Tal vez usted no tendría la paciencia. Pero le garantizo que si me acercaba un arma a la cabeza y le decía: “Tiene dos semanas para memorizar un papel principal de Shakespeare, y si falla, lo mataré”, sería capaz de hacerlo.
Ayuda a entender lo que estás aprendiendo. Una vez que un actor ha analizado un guión para objetivos, o para las necesidades de cualquier técnica que use, se quedará en su cabeza mucho más fácilmente que cuando se trata de “solo palabras”. También ayuda asociar las palabras con los movimientos, por lo que muchos actores esperan hasta que “bloquean una escena” (movimiento agregado en el ensayo) antes de intentar memorizarla.
Eso es, una picante, una albóndiga, una.
¿Cómo cambian los actores sus acentos? La mayoría de los actores entrenados aprenden el Alfabeto Fonético Internacional en la escuela de teatro. Les da una forma de transcribir los sonidos que escuchan cuando escuchan un acento extranjero. Luego puede buscar un sonido en un libro de acento, y si el libro dice “dɮ”, ellos saben qué sonido hacer.
Hay una pequeña industria de libros y cintas de acento para actores, por ejemplo, Acentos y dialectos para escenario y pantalla (incluye 12 CD). Y, a veces, un entrenador de dialecto será contratado para asistir a los ensayos.
Muchos actores enumeran los dialectos que han dominado en sus hojas de vida. Así que cuando los directores de casting están buscando, pueden ver que tal y tal actor sabe “cockney, American Southern, New England, y francés”.
Las palabras de pelea de ellos
El combate por etapas es también una industria casera. Actualmente estoy dirigiendo “Hamlet”, y estoy trabajando con un fantástico coreógrafo de lucha, Jared Kirby (sitio web: Training Actors and Martial Artists). Es un experto en combate y lucha con espadas de todos los períodos de la historia, y también es un actor, por lo que habla en términos de objetivos.
Él le dirá a uno de los actores: “¿Qué estás tratando de lograr?”
El actor a menudo dirá: “Bueno, quiero ganar la pelea”.
Jared dirá: “¿Estás tratando de matarlo, matarlo, asustarlo o qué?” Y trabajará para ser muy específico a nivel de personaje antes de sugerir movimientos.
Luego, en algún momento, se volverá muy técnico, con tanto tiempo dedicado a garantizar la seguridad como a hacer que se vea real y emocionante.
El estado de la union
Para algunos, el teatro es una profesión y está altamente sindicalizado (en los Estados Unidos y en algunos otros países). Hay sindicatos de actores, directores, gremios de escritores y gremios para manos de escena. Al igual que con todos los sindicatos, existen para proteger a sus miembros, para asegurarse de que el rango y el archivo se compensen y no funcionen en condiciones inseguras. A veces, la gran cantidad de reglas impuestas por los sindicatos puede complicarse.
Trabajé en un espectáculo de Broadway que ensayaba en toda la ciudad desde el teatro en el que iba a actuar. Esto casi siempre sucede, porque los bienes raíces del teatro son muy caros. (Esta es la razón principal por la que sus boletos de Broadway cuestan $ 150). No es rentable que los actores ensayen en el teatro, porque entonces el teatro tendría que cerrar por varias semanas. Entonces, mientras se está realizando un programa, el siguiente programa se está ensayando fuera del sitio.
Estábamos ensayando en este estudio en decadencia, utilizando los accesorios reales que estaríamos usando en el rendimiento. Luego, el espectáculo que teníamos ante nosotros cerró temprano y el teatro estaría vacío durante una semana. Así que los dueños del teatro nos preguntaron si nos gustaría ensayar en el espacio que íbamos a realizar. Esta fue una oportunidad fantástica, ya que siempre hay un período de ajuste incómodo al pasar de un espacio de ensayo a un espacio de actuación.
Luego nos dijeron que si nos mudábamos al teatro, tendríamos que dejar de trabajar con los accesorios. Tendríamos que usar accesorios suplentes, en su lugar. Entonces, si se suponía que un actor tenía una daga, tenía que sostener un palo en su lugar, o una daga de juguete que era de un tamaño y peso diferente al que él usaría.
¿Por qué? Debido a que la Unión de maestros de la Proposición ordenó que si los accesorios se usaban en el teatro donde se representaría la obra, uno de sus miembros debe estar presente, lo que significaba que el teatro tendría que contratar un maestro de utilería para los ensayos y las actuaciones. No había presupuesto para eso, por lo que la elección fue entre la permanencia en el espacio de ensayo, usar los accesorios reales o pasar al teatro y usar accesorios de suplente. Como este fue un show pesado, elegimos tristemente la primera opción.
Te pueden ver
En la medida en que los actores pueden ver a la audiencia, tienden a ser muy conscientes de las personas individuales. Como Santa, ellos saben cuando estás durmiendo; Ellos saben cuando estás despierto. A veces las luces brillantes hacen imposible que los actores vean nada más que siluetas, lo que puede ser una bendición. Todos los actores que conozco se quejan amargamente de los miembros de la audiencia que duermen en sus asientos, envían mensajes de texto, salen, llegan tarde y se ven aburridos.