¿Cuáles son algunas cosas sobre las obras de teatro que la gente generalmente no sabe?

Lo principal que no saben las personas no teatrales es qué hacen los actores para retratar a sus personajes. En un nivel, es obvio: pretenden. Eso es cierto, pero cuando los no actores descubren rápidamente si tratan de actuar, es difícil, especialmente cuando tienes que hablar con las palabras de alguien más. Lo que quiero decir con “duro” es que es un reto fingir convincentemente , de una manera que hará que la gente olvide que lo estás fingiendo.

No existe un sistema universal de actuación, y algunos actores son naturalmente dotados. Obviamente están haciendo algo , pero están tan desconcertados como todos los demás. “No sé cómo lo hago. Simplemente lo hago”.

Stan el hombre

Muchos actores, los que no funcionan completamente por instinto, dependen de alguna variante del sistema de Stanislavsky. Constantin Stanislavski (1863 – 1938) desarrolló las técnicas principales que la mayoría de los actores entrenados usan hoy en día (o al menos las técnicas que se enseñan en la escuela de teatro, ya sea que las usen o no). De hecho, Stanislavsky desarrolló dos conjuntos de técnicas, aunque finalmente rechazó la primera de las dos. Pero a medida que se hizo influyente (especialmente en Estados Unidos), lo cubriré.

Su técnica posterior, ahora su más popular, involucra objetivos . No hay una terminología establecida, pero muchos actores usan los términos intensiones u objetivos. Me quedo con los “objetivos” para este post. La idea es que intentar emitir es demasiado generalizado como para ser interesante y poco confiable. Tal vez en una película, y el actor puede salirse con la suya tratando de inducir tristeza o lujuria en sí mismo, pero es poco probable que funcione noche tras noche, para cientos de actuaciones. ¿Qué pasa si, en una noche determinada, “no lo sientes”?

Entonces, Stanislavsky instó a los actores a evitar las emociones y centrarse en los objetivos. Los actores a veces bromean sobre los malos directores que les dicen “estar contentos” o “enfurecerse”. Aprenden a traducir estas instrucciones en metas.

La idea es que, en cada momento de cada escena, un personaje quiere algo o, mejor aún, necesita algo. Ese es su objetivo. En la mayoría de los casos, él quiere o necesita algo de otro personaje con el que está en el escenario. En lugar de tratar de emote, intentará perseguir estos objetivos. En la medida de lo posible sin poner en peligro a nadie, el actor intentará perseguir sus objetivos en lugar de pretenderlo. A la audiencia le parecerá real porque es real. Lo que estás viendo es un actor que intenta lograr algo.

Así que si mi objetivo es besar a Julieta o atacar a Romeo, realmente trataré de besarla y atacarle. (Es común expresar objetivos como verbos infinitivos: besar, atacar, menospreciar, engañar …) Los objetivos deben ser específicos y potencialmente alcanzables.

Como director, podría preguntar a un actor (que tiene problemas para parecer auténtico), “¿Cuál es tu objetivo en esta escena?”

Si él dice “para seducirla”, podría preguntar: “¿Y cómo intentas hacer eso?” Si luego dice: “Oh, en realidad no lo soy. Mi personaje no cree que alguna vez se sentirá atraída por él”, le pediré al actor que elija otro objetivo.

Tal vez él quiera su compasión; Tal vez él quiere herirla por rechazarlo. Sea lo que sea, debe ser algo que pueda imaginar lograr, para que pueda seguirlo con entusiasmo.

En algún momento, los personajes lograrán sus objetivos o perderán la batalla. En ese punto, si la escena continúa, deben cambiar de objetivo. “Ahora que has fallado en seducirla, ¿cuál es tu objetivo?”

“A huir.”

“Entonces, ¿por qué te quedas en la habitación?”

“Porque tengo que encontrar una manera de irme que no me haga parecer débil”.

Para todos los objetivos, si van a ser interesantes y jugables durante más de un segundo, debe haber obstáculos . Eso es lo que genera conflicto. Un obstáculo podría ser externo al personaje: “Bueno, no puedo simplemente irme, porque estoy encerrado en la habitación con ella”. O podría ser interno, como “Necesito huir de una manera que no me haga parecer débil”.

Muchos actores repasan sus guiones e intentan proponer objetivos jugables y obstáculos difíciles. Este es un tipo interesante de análisis de guión que está parcialmente dictado por el guión (las metas de uno no pueden estar en desacuerdo con el texto) y en parte inventado por el actor.

Dos actores pueden jugar la misma escena con diferentes objetivos. Cuando Hamlet se sienta a través de la coronación de Claudio sin decir nada, ¿está tratando de huir (escapando hacia adentro) o está tratando de burlarse de Claudio (negándose a mostrar alguna deferencia o entusiasmo)? Ambos objetivos funcionarán. El actor debe usar el que más le emocione.

El secreto de un actor.

El punto nunca es comunicar el objetivo a la audiencia. En el ejemplo de “Hamlet”, digamos que el actor ha elegido huir (a su mente) al sentarse allí mientras piensa en otra cosa, como a menudo hacemos cuando nos vemos obligados a asistir a conferencias aburridas.

Después de la obra, los miembros de la audiencia podrían discutir sobre lo que estaba haciendo. Uno podría insistir en que Hamlet se estaba alejando; otro podría decir: “¡No! ¿No lo ves? ¡Fue un acto de desafío intencional!” Eso está bien y animado. Es el trabajo del guión contar la historia. El actor solo debe encontrar un objetivo para que pueda mantenerse comprometido y parecer sincero, convincente. Y la mejor manera de ser convincente es intentar lograr un objetivo real.

¿Dónde está la salida?

La mayoría de las veces, los actores eligen objetivos que son fáciles de extraer del guión. Y, con suerte, nada de lo que elijan hace que se conviertan en actuaciones contrarias al guión. Pero a veces los actores juegan trucos.

Una vez estuve en una obra donde otro actor tuvo que reprenderme durante tres minutos, llamándome todo tipo de nombres mientras no decía nada. Tuve que enfrentar a la audiencia durante esto, y supe que me estarían mirando para ver cómo reaccionaba ante el aluvión de insultos.

Tal vez un mejor actor podría haber escuchado el discurso y reaccionado de manera natural. Y, de hecho, eso es lo que la mayoría de los actores tratan de hacer. Por lo general, funciona para mí, pero el discurso fue simplemente demasiado largo. Descubrí que no podía simplemente escuchar y escuchar y escuchar, y no desvanecerme después de un tiempo, especialmente después de muchas actuaciones. Y me fue difícil jugar un gol, porque no tenía líneas. Ni siquiera me enfrenté al actor que me estaba insultando, así que no podía “echarle una mirada”.

Mi solución consistía en una señal de salida, que podía ver por encima de las cabezas de la audiencia, en la parte posterior del teatro. Traté de hacerlo explotar con mi mente. Decidí que si podía hacerlo explotar, el otro actor se callaría y dejaría de insultarme. Intenté hacer que explotara.

Lo fascinante es que me elogiaron por mi actuación en esta escena. Mucha gente me dijo que podían ver lo molesta y furiosa que estaba por los insultos. Sospecho que esto se debe a que encontré un objetivo que me era convincente, tan tonto como era.

Fue una especie de truco, porque no había una señal de salida en el guión, y no había ninguna razón basada en el texto para que asumiera que el personaje tenía poderes mágicos. Pero emocionalmente, estaba en sintonía con el guión. Mi personaje hubiera querido que el otro personaje se callara. Si hubiera estado frente a él, podría haber tratado de hacer que su cabeza explotara. Ya que mi espalda estaba vuelta, elegí la señal de salida, en su lugar.

Si está interesado en leer más sobre este sistema basado en objetivos, le recomiendo A Practical Handbook for the Actor, que también es un excelente libro para escritores de ficción, y para cualquier persona que quiera una nueva forma de pensar sobre historias y personajes. Otro libro fantástico, que sugiero leer después de “Un manual práctico”, si todavía estás interesado en el tema, es El actor y el objetivo.

Aunque esto sea una locura, sin embargo, no hay método in

Mencioné que a Stanislavsky se le ocurrieron dos técnicas. Al principio de su carrera, descubrió o inventó un concepto que denominó “memoria sensorial”, en el que el actor intenta relacionar lo que su personaje está pasando con algo en la vida real, no solo intelectualmente sino también sensualmente.

En otras palabras, si tiene que interpretar a un personaje que se está perdiendo en el ártico, debe pararse en un congelador durante un par de horas para sentir cómo es. Y mientras actúas, deberías recordar ese sentimiento. O cuando interpretas una escena en la que tu personaje está de luto por la muerte de un ser querido, debes tratar de recordar cómo te sentiste cuando murió alguien que amabas.

Aunque Stanislavsky abandonó esto por su sistema basado en objetivos, se retomó en Estados Unidos, donde se conoció como Método de actuación. Es por eso que escuchas que los Actores del Método van a los extremos, como permanecer en el personaje incluso en los descansos o pasar meses vistiendo la ropa que usan sus personajes.

Este sistema ha sido abandonado en gran parte, aunque hay algunos practicantes notables como Daniel Day Lewis. Y diría que muchos actores, aunque no llegan a estos extremos, utilizan las técnicas de Methody a veces. Se trata realmente de “lo que sea que funcione”.

Yo diría que, en general, es mucho más fácil utilizar el Método que actúa en una película que en el escenario. Los actores de cine solo tienen que “entrar en la lata”. Los actores de teatro deben repetir sus actuaciones noche tras noche.

¿Cómo aprenden todas esas líneas?

Esta es la otra cosa que desconcierta a la gente. El secreto es que no hay secreto. Aparte de unos pocos patos afortunados con recuerdos fotográficos, los actores lo hacen palabra por palabra, durante días o semanas.

Mucha gente siente que “nunca podría hacer eso”, pero ellos sí podrían. Cualquier persona con una memoria de trabajo normal es capaz de hacerlo con un montón de trabajo duro. Tal vez usted no tendría la paciencia. Pero le garantizo que si me acercaba un arma a la cabeza y le decía: “Tiene dos semanas para memorizar un papel principal de Shakespeare, y si falla, lo mataré”, sería capaz de hacerlo.

Ayuda a entender lo que estás aprendiendo. Una vez que un actor ha analizado un guión para objetivos, o para las necesidades de cualquier técnica que use, se quedará en su cabeza mucho más fácilmente que cuando se trata de “solo palabras”. También ayuda asociar las palabras con los movimientos, por lo que muchos actores esperan hasta que “bloquean una escena” (movimiento agregado en el ensayo) antes de intentar memorizarla.

Eso es, una picante, una albóndiga, una.

¿Cómo cambian los actores sus acentos? La mayoría de los actores entrenados aprenden el Alfabeto Fonético Internacional en la escuela de teatro. Les da una forma de transcribir los sonidos que escuchan cuando escuchan un acento extranjero. Luego puede buscar un sonido en un libro de acento, y si el libro dice “dɮ”, ellos saben qué sonido hacer.

Hay una pequeña industria de libros y cintas de acento para actores, por ejemplo, Acentos y dialectos para escenario y pantalla (incluye 12 CD). Y, a veces, un entrenador de dialecto será contratado para asistir a los ensayos.

Muchos actores enumeran los dialectos que han dominado en sus hojas de vida. Así que cuando los directores de casting están buscando, pueden ver que tal y tal actor sabe “cockney, American Southern, New England, y francés”.

Las palabras de pelea de ellos

El combate por etapas es también una industria casera. Actualmente estoy dirigiendo “Hamlet”, y estoy trabajando con un fantástico coreógrafo de lucha, Jared Kirby (sitio web: Training Actors and Martial Artists). Es un experto en combate y lucha con espadas de todos los períodos de la historia, y también es un actor, por lo que habla en términos de objetivos.

Él le dirá a uno de los actores: “¿Qué estás tratando de lograr?”

El actor a menudo dirá: “Bueno, quiero ganar la pelea”.

Jared dirá: “¿Estás tratando de matarlo, matarlo, asustarlo o qué?” Y trabajará para ser muy específico a nivel de personaje antes de sugerir movimientos.

Luego, en algún momento, se volverá muy técnico, con tanto tiempo dedicado a garantizar la seguridad como a hacer que se vea real y emocionante.

El estado de la union

Para algunos, el teatro es una profesión y está altamente sindicalizado (en los Estados Unidos y en algunos otros países). Hay sindicatos de actores, directores, gremios de escritores y gremios para manos de escena. Al igual que con todos los sindicatos, existen para proteger a sus miembros, para asegurarse de que el rango y el archivo se compensen y no funcionen en condiciones inseguras. A veces, la gran cantidad de reglas impuestas por los sindicatos puede complicarse.

Trabajé en un espectáculo de Broadway que ensayaba en toda la ciudad desde el teatro en el que iba a actuar. Esto casi siempre sucede, porque los bienes raíces del teatro son muy caros. (Esta es la razón principal por la que sus boletos de Broadway cuestan $ 150). No es rentable que los actores ensayen en el teatro, porque entonces el teatro tendría que cerrar por varias semanas. Entonces, mientras se está realizando un programa, el siguiente programa se está ensayando fuera del sitio.

Estábamos ensayando en este estudio en decadencia, utilizando los accesorios reales que estaríamos usando en el rendimiento. Luego, el espectáculo que teníamos ante nosotros cerró temprano y el teatro estaría vacío durante una semana. Así que los dueños del teatro nos preguntaron si nos gustaría ensayar en el espacio que íbamos a realizar. Esta fue una oportunidad fantástica, ya que siempre hay un período de ajuste incómodo al pasar de un espacio de ensayo a un espacio de actuación.

Luego nos dijeron que si nos mudábamos al teatro, tendríamos que dejar de trabajar con los accesorios. Tendríamos que usar accesorios suplentes, en su lugar. Entonces, si se suponía que un actor tenía una daga, tenía que sostener un palo en su lugar, o una daga de juguete que era de un tamaño y peso diferente al que él usaría.

¿Por qué? Debido a que la Unión de maestros de la Proposición ordenó que si los accesorios se usaban en el teatro donde se representaría la obra, uno de sus miembros debe estar presente, lo que significaba que el teatro tendría que contratar un maestro de utilería para los ensayos y las actuaciones. No había presupuesto para eso, por lo que la elección fue entre la permanencia en el espacio de ensayo, usar los accesorios reales o pasar al teatro y usar accesorios de suplente. Como este fue un show pesado, elegimos tristemente la primera opción.

Te pueden ver

En la medida en que los actores pueden ver a la audiencia, tienden a ser muy conscientes de las personas individuales. Como Santa, ellos saben cuando estás durmiendo; Ellos saben cuando estás despierto. A veces las luces brillantes hacen imposible que los actores vean nada más que siluetas, lo que puede ser una bendición. Todos los actores que conozco se quejan amargamente de los miembros de la audiencia que duermen en sus asientos, envían mensajes de texto, salen, llegan tarde y se ven aburridos.

Una cosa que me di cuenta en mis años en el teatro en vivo, para cada actor que ves en el escenario, hay cinco o más personas fuera del escenario que contribuyeron a que esta producción se llevara a cabo. (Esta es una fórmula altamente arbitraria … la uso al enfatizar el importante papel del equipo de la etapa posterior a los actores, algunos de los cuales piensan que son el todo y el final. Obviamente, esta proporción varía según el tamaño del reparto y cómo complicó la producción. Muchas de las personas involucradas, costureras, carpinteras, gerentes, promotoras, personalidades, etc. son en realidad “invisibles” para los actores porque su trabajo está fuera de su vista.) Estas son todas las personas cuyos nombres Aparecen en letra pequeña en el programa, pero sin cuyas habilidades, dedicación y trabajo duro, la obra o el musical no estarían en el escenario. Un buen actor es consciente del esfuerzo de apoyo de todas estas personas y reconoce que, si bien son los destinatarios de los aplausos del público, también merecen crédito por sus contribuciones al éxito de la producción.

Que usted (el miembro de la audiencia) no está en una película. Cuando hablas o te levantas y te vas al baño o sacas papel arrugado de la menta, los que están en el escenario lo notan.

Actuar para una audiencia en vivo es emocionante porque es inmediato. Su risa o silencio sin aliento y ciertamente su aplauso es algo visceral. Pero muchos de los miembros de la audiencia hoy en día no parecen entender que el teatro en vivo es una comunicación entre el escenario y la audiencia que va en ambos sentidos. Un miembro de la audiencia grosero e inatento puede afectar negativamente una actuación no solo para otros miembros de la audiencia (como en una película), sino también para los actores en el escenario.

Una pequeña cosa que saltó hacia mí. En la primera actuación profesional de teatro a la que asistí después de mi primera vez en el escenario, de repente noté diminutas partes verdes brillantes en el escenario durante los apagones.

Son “picos”, pequeños trozos de brillo en la cinta oscura. Se pueden usar para ayudar a un actor a encontrar el lugar correcto para pararse antes de que se enciendan las luces, dónde colocar una pieza fija durante un cambio fijo o para marcar algo que debe evitar (pieza de mobiliario, el borde de un escalón). , etc.)

Estuvieron allí todo el tiempo. Están diseñados para ser pequeños y discretos, por lo que nunca los había notado antes. Pero ahora que sé qué buscar, los apagones pueden parecer una tenue constelación verde.

Probablemente diría que lo más importante que la gente no sabe es el papel del DSM y el hecho de que tienen el control de todo el espectáculo. El Subdirector del Escenario es la persona que dirige el programa, le dan todas las llamadas al equipo de backstage, llaman a los actores al escenario y se comunican con el frente de la casa sobre cuándo comenzar el espectáculo. Nada en el escenario respira sin que lo diga el DSM.

Tienen una copia enorme del guión llamado “El libro” que tiene todo en el programa escrito en él, desde los detalles de contacto de los actores, hasta cada una de las indicaciones de cada miembro del equipo técnico. Durante el espectáculo, repasan el libro y lo usan para indicar a todos.


Otras pequeñas cosas que he aprendido como tripulación:

  • Nunca moleste a un DSM cuando intente dar una señal, espere hasta que estén listos.
  • Los objetos que están volando, es decir, suspendidos por encima de las cabezas de las personas y que son traídos por un hombre volador, son increíblemente pesados ​​(una barra sin carga de al menos 60 kg) con el peso de un paño y conductos unidos, las barras más ligeras pueden llegar a más de 100 kg. Mover esto a velocidades ridículamente altas es muy peligroso y he visto a los actores y el equipo sufrir conmociones cerebrales, narices rotas, lesiones en los hombros, etc., todo desde el lugar equivocado cuando entra la tela.
  • Ser un hombre volador es un trabajo peligroso. He sido arrastrado por el aire varias veces mientras jalaba una cuerda para llevar los juegos.
  • Los equipos técnicos se aburren mucho en las carreras largas. Cuando hay muchos accesorios divertidos alrededor, por ejemplo, para Panto puede causar travesuras. Cuando los shows han estado corriendo, he estado involucrado en peleas de bolas de nieve, artilugios, me han echado agua por la espalda mientras me escondía en el escenario esperando una señal, lo que sea.
  • Es muy oscuro detrás del escenario. Es posible que tenga “azules” encendidos (pequeñas luces azules salpicadas por el escenario), pero incluso en algunas áreas está caminando a ciegas.
  • Hay un montón de reinas del drama y primadonnas detrás del escenario. Mucha gente piensa que son más grandes que ellos. Una vez trabajé con alguien que molestó a todo el equipo. Se presentó en el último minuto como un favor para el director y irritó a todos: había estado en conjunto para un cierto gran espectáculo de giras y decidió que él lo sabía mejor. Intentó todo tipo de cosas para molestar a la gente, incluso colocó su carta de renuncia en el escritorio del DSM durante un espectáculo. No le gustaba en la producción y todos hacían todo lo posible por hacer su vida más difícil.
  • Un viejo colega dijo una vez a un molesto miembro del reparto que recordara que “estás en un ambiente oscuro con muchos técnicos que llevan cuchillos”, siempre se comportaron después de eso.
  • Su backstage increíblemente caliente
  • Conjuntos que parecen pesados, no son. Una casa de 2 niveles puede ser movida por 4 personas en unos pocos minutos.
  • La comida en el escenario a menos que se consuma no es real.
  • Entre cues, la iluminación y el sonido la gente a menudo lee libros, toma pasatiempos, etc. Pasé 2 semanas aprendiendo a resolver un cubo de rubik entre cues.
  • Aunque nunca lo admitirías, amas a tu elenco y ellos te aman.
  • El trabajo más aburrido es el encargado de la puerta del escenario: te sientas en la puerta del escenario y esperas a que llegue la gente. Si estoy en un turno de SD terminaré viendo Netflix por unas horas
  • El mejor lugar para ver un espectáculo (en mi opinión) es en el piso de la mosca. Este es el lugar desde donde trabaja el hombre volador, aproximadamente 3 pisos sobre el escenario. Al caminar un poco, pueden ver el espectáculo y el trabajo que se realiza en el backstage al mismo tiempo. Es realmente interesante ver que el espectáculo va bajando del escenario y la tripulación preparando la siguiente escena detrás de un paño.

En la universidad estudié diseño para el teatro. He trabajado profesionalmente y en el nivel de la comunidad (es decir, sin pago) como escenógrafo, director, carpintero de escena, técnico de iluminación, director de escena y director de escena. Tomé una puñalada y pisé las tablas, pero creo que soy la única que disfrutó mi actuación.

El trabajo teatral es muy divertido, gratificante y estresante. Aquí hay algunas cosas que observé en la década que pasé trabajando y estudiando teatro.

  • Si hay una manera de lastimarse, un actor lo encontrará. El paisaje debe ser tan seguro como puedas hacerlo.
  • “El show debe continuar” es solo un dicho. Si no puede abrir según lo planeado, no lo haga.
  • Los gastos se ampliarán para llenar cualquier presupuesto. No importa cuánto lance en un show, el dinero se gastará.
  • Prima Donnas no suele hacer bien. Hay tantos actores y técnicos con talento que el trabajo va a personas con las que es bueno trabajar.
  • La colaboración es esencial. Nadie obtiene exactamente lo que quiere, pero si trabajas con otros y te comprometes, terminarás un programa que es mejor de lo que cualquier persona podría haber creado.
  • Un ensayo de vestuario de mierda hace que sea una mejor noche de estreno. El estrés hace que los participantes viertan más energía en su trabajo. La segunda noche usualmente apesta
  • No se puede contar con ciertas líneas para lograr la misma reacción de la audiencia. Las líneas de la risa nunca son iguales porque las audiencias son siempre diferentes
  • El público forma parte del espectáculo. La energía de la multitud alimenta a los artistas, que se retroalimenta a la audiencia.
  • Siempre hay personas a las que odias durante la producción y prometes que nunca volverás a trabajar con ellas. Luego llega la noche de la inauguración, se ejecutan los espectáculos, llega la noche de la clausura y abrazas a esas personas y dices “¡Tenemos que hacer esto otra vez!”

Creo que el mayor “desconocido” es el proceso mediante el cual la vida real se adapta para la presentación en el escenario. Este proceso en realidad hace que la acción en una obra parezca más real, aunque es artificial en su ejecución.

Escuchar Actuar cuando no estás hablando es un asunto complicado. A menudo he publicado mis pensamientos sobre la importancia de escuchar en la actuación. Si solo estás ‘esperando tu señal’, estás haciendo un mal servicio a tu personaje. Pero escuchar requiere un cierto toque. Un actor debe reaccionar a lo que otros personajes están diciendo, incluso cuando lo que se dice no está dirigido a ellos personalmente. Esto se puede deshacer fácilmente. Una reacción demasiado pequeña socava la importancia de lo que se dice. Demasiado grande y tú ‘en el escenario’ quienquiera que esté hablando. Si se hace correctamente, la audiencia no es del todo consciente de que se está llevando a cabo un proceso.

Cue Pickup . Ahora, acabo de escribir que uno no debería simplemente “esperar su señal”, pero esto no significa que su señal no sea de vital importancia. La captación de señales se relaciona con el ritmo del diálogo en el escenario. Hay una gran cantidad de matices que rodean la presentación efectiva de las palabras de un dramaturgo. El espacio entre la línea de un actor y la línea de otro actor está superado por la clave. Y el lapso de ese puente no es constante. Una pausa es apropiada cuando se revela una gran revelación. Las líneas de la risa pueden ser particularmente difíciles. Uno debe “esperar para reírse” para que el público no pierda partes del diálogo, pero no quiere hacer una pausa demasiado larga o parece incómodo. Cuando los actores están zumbando a paso rápido, cuando su respuesta está en punto, hace que el diálogo suene como las personas reales hablan, incluso en una escritura muy estilizada como la que se encuentra en Shakespeare.

Haciendo trampa Cuando en el escenario uno no puede mirar a sus compañeros actores como lo hace cuando interactúa en la vida real. Tienes que ‘hacer trampa’, abrirte físicamente de tal manera que presentas una imagen adecuada a la audiencia. Por un lado, esto hace que sea más fácil para usted ser escuchado, y escuchar en un teatro en vivo es importante para una audiencia. No importa cuán grande sea una línea dada si nadie la escucha. En segundo lugar, las audiencias no quieren mirar la parte posterior de su cabeza. Quieren ver tu cara, incluso si no están conscientes de este deseo.

Estos son solo algunos ejemplos de cosas que se hacen para mejorar el realismo de una presentación escénica que en realidad no están enraizadas en la realidad. Es un engaño, y si se hace bien no es perceptible para una audiencia.

Como muchos de ustedes, aprendí teatro en la American Musical Theatre Academy. Fui un pez grande en un estanque pequeño, desempeñé muchos papeles principales y tomé muchas clases de actuación, voz y movimiento. Estudié a Meisner, Stella Adler, Stanislavsky, Uta Hagen (mi favorita) e incluso tomé clases en el teatro Kabuki . Podía recitar 10 monólogos de Shakespeare y dominar un acento británico. ¡Incluso sabía hacer máscara neutra! Una de las muchas cosas útiles que enseña la escuela de teatro es que la capacitación es esencial y siempre debe ser parte de su carrera.

Elegante título en mano, me mudé a Nueva York una semana después de graduarme con disparos a la cabeza en mi bolsa, un trabajo mediocre y me pregunté: “¿Dónde están todos estos trabajos de actuación con altos salarios que se supone que debo obtener? Estaba estudiando teatro ”¿Qué quieres decir con que no soy el protagonista de la nueva película de David O. Russell? ¿Qué quieres decir con que tengo que conseguir un agente? Rápidamente me di cuenta de que hay todo este aspecto ” comercial” de la actuación de la que nadie me había hablado. Necesitaba cambiar mi enfoque, ser humilde y elaborar un plan de juego.

Hechos desconocidos:
1. El teatro, tal como lo conocemos, comenzó en la antigua Grecia con una ceremonia religiosa llamada ‘dithyramb’ en la que un coro de hombres se vestía con pieles de cabra.
2. La palabra ‘tragedia’ proviene de una expresión griega que significa ‘canción de cabra’ …
3.… y ‘teatro’ proviene de un verbo griego que significa ‘contemplar’.
4. Las audiencias griegas antiguas se estamparon los pies en lugar de aplaudir para aplaudir.

Las audiencias griegas antiguas se estamparon sus pies en lugar de aplaudir para aplaudir

5. El Día Mundial del Teatro se celebra el 27 de marzo de cada año desde 1962, cuando fue el día de apertura de la temporada del “Teatro de las Naciones” en París.
6. El rendimiento dramático continuo más prolongado fue de 23 h 33 min. 54 seg. Logrado por los 27 O’Clock Players en Nueva Jersey, EE. UU., El 27 de julio de 2010.
7. Hicieron The Bald Soprano de Eugene Ionescu, una obra escrita en un bucle continuo y que se dice que es totalmente inútil y sin argumento.
8. Según Aristóteles, la trama es la característica más importante de una actuación dramática.
9. Walt Disney World, Florida, tiene un récord de 1,2 millones de trajes en sus vestuarios teatrales.
10. La obra más antigua que aún existe es The Persians by Aeschylus, escrita en 472 a.

Fuente: American Musical Academy

¡Hay mucha gente que no sabe!
Desde un punto de vista de actuación; es importante que se muestre TEMPRANO, no “a tiempo” para el ensayo. Date al menos diez minutos para instalarte, saluda a tu compañero y al director, toma un trago de agua, etc. Los actores que llegan puntualmente llegan tarde y causan ansiedad a un director. Si un actor llega tarde al ensayo, él o ella también podrían renunciar. Muchos directores los reemplazarán con un actor que quiera ser lo mejor posible.

Creo que una cosa es que las personas en la audiencia no saben o sospechan cuánto tiempo y organización, a menudo sin ego (a veces no), la resolución de problemas se lleva a cabo en los meses y semanas antes de que comience una obra.

  • ¡El paisaje está diseñado para verse absolutamente increíble, solo desde un lado ! Si subes al escenario y miras la parte posterior de las piezas, se ve muy diferente, no está pintado en absoluto y, a menudo, tiene escrito como “cuelga el pollo aquí” u otros memos extraños.
  • Hay muchos trucos inteligentes para hacer que un escenario se vea más grande de lo que realmente es. Cada vez que alguien ve una jugada primero y luego ve el escenario vacío, siempre se sorprende de lo pequeño que es.
  • La gente piensa que los vestidores son un hogar lejos de casa encantador, pero en realidad, si un teatro tiene dinero para gastar, ¿cree que lo va a gastar en el público para animarlo a gastar más en los bares encantadores o en el elenco? ¿Quién no les da nada de dinero? Correcto.
  • Los diseñadores de escenarios presentan un escenario fantástico que se reemplaza para diferentes escenas. Luego, el Administrador del escenario debe decidir qué hacer con él cuando está fuera del escenario. Esto a veces puede ser la parte más difícil de configurar el espectáculo. En Bombay Dreams tenían un enorme gasoducto en el escenario que, a medida que se desprendía, se rompió aún en movimiento y se enganchó a cadenas que alzaban las secciones individuales por encima de las cabezas del elenco fuera del escenario, ya que no había otro lugar para almacenarlo.
  • Si alguno de los equipos técnicos tiene muy poco que hacer durante un espectáculo de larga duración, entonces encontrarán algo para ocupar su tiempo entre las claves. ¡Conozco a alguien que trabajó en un largo recorrido de un espectáculo con muy pocas pistas y él solía tejer entre señales! [Historia verdadera]
  • A veces, esos divertidos ad-libs son en realidad un script. Otras veces, cuando se caen bien, se repiten la primera vez y luego se repiten todas las noches. Esto tiene más que ver con las comedias, obviamente. ¡No funcionaría tan bien en tragedia!
  • Los actores a menudo “olvidan” actualizar sus fotografías para que las tomas de promoción puedan fácilmente tener 10 años o más.
  • Cuando los actores pretenden estar enamorados (o se odian entre sí, o lo que sea la emoción), generalmente no lo están. Y sí, ya sé que ya lo sabías, pero la próxima vez que te sientes en el auditorio viendo un gran elenco, ¡apuesto por el momento que olvidas!

Ya sea que el dramaturgo haya trabajado o no durante años pensando y escribiendo la obra, o si simplemente se le ocurrió fácilmente, como en un trance de inspiración de ensueño. Muchos artistas no querrían admitir cualquiera de estas posiciones. El acto de creación es a menudo más misterioso para el creador.

Una vez que apareciéramos en funcionamiento, jugaríamos al póker detrás del escenario durante las escenas para matar el tiempo entre las claves, tanto el equipo como los actores.

La mesa de póker fue la parte más importante del espectáculo. Los actores se levantaban de la mesa, caminaban sobre el escenario para entregar líneas y regresaban directamente a la mesa para la siguiente mano.

No hace falta decir que cuando las ollas eran grandes, cortamos las señales. A veces, sería un caos total con todos corriendo y chocando entre sí, discutiendo qué escena era la que se suponía que estábamos construyendo.

Siempre lo hemos hecho bien. 🙂