Acto de clase … una escena de la versión cinematográfica de 1968 de Planet of the Apes, protagonizada por Charlton Heston.
10. Planeta de los simios
Aunque la novela original, La Planète des Singes, fue escrita por el francés Pierre Boule y originalmente alcanzó su punto culminante en París, esta fantasía de ciencia ficción perdurable es profundamente estadounidense, lo que hace que el patriotismo de Charlton Heston sea de un uso increíble. También se sostiene sorprendentemente bien como una alegoría discordante para los temores de la población sobre las crecientes tensiones de la guerra fría.
Comenzando con una nave espacial que se estrelló en un planeta desconocido después de años de sueño criogénico, la película de Franklin J. Schaffner pronto se pone en marcha cuando la astronauta Taylor de Heston es perseguida y capturada por una tropa de gorilas a caballo. Guardado para fines de “investigación”, Heston es llevado a una ciudad gobernada por monos. Por suerte para nosotros, el productor Arthur P Jacobs se resistió a la visión futurista y futurista de Boulle sobre el futuro por razones presupuestarias, y su penique le salvó la cita de la película al instante. Todavía hay un poco de estilo hippy de la época de Acuario en los trajes de los simios, pero la arquitectura primitiva, en algún lugar entre griega y romana, anticipa siniestramente el giro asesino de la película, que no surgió tanto de Boulle sino de Rod Serling de Twilight Zone, quien refinó el guión de rodaje.
Curiosamente, para una película basada en una sola idea, es la suma de sus partes la que la hace tan atemporal, principalmente la extraña y orgánica partitura de Jerry Goldsmith, mientras que el reparto facilita el trabajo de garantizar que los simios sean simultáneamente aterradores y, en el caso de Kim Hunter y Roddy McDowall como Zira y Cornelius, increíblemente comprensivos. Crucial para esto es el asombroso maquillaje de la película, tan adelantado a su tiempo que el artista de prótesis John Chambers tuvo que arreglárselas con un premio honorífico en los Oscar de ese año, ya que los efectos especiales aún no se consideraban dignos de una categoría. Afortunadamente, su trabajo era tan bueno que no tuvo que esperar mucho tiempo para otro trabajo, y un nuevo y agradecido empleador lo contrató: la CIA. (Sí, ese es el imitador de John Goodman en Argo).
9. El ídolo caído
RALPH RICHARDSON Y BOBBY HENREY EN TODAVÍA DE LA PELÍCULA THE FALLEN IDOL (UK 1948) BRITISH LION FILM CORP Fotografía: Ronald Grant Archive
Graham Greene acudió a su tumba, justificadamente decepcionado por las muchas adaptaciones cinematográficas derivadas de sus novelas. The Comedians, The Honorary Consul, The Human Factor, las primeras adaptaciones de The Quiet American y The End of the Affair: todas estas fallaron, o traicionaron activamente sus novelas originales. Uno de los enigmas fascinantes de la carrera de Greene es que este ex crítico de cine, tan perceptivo, guitarrista y brillante autor de tantas novelas apodadas “cinematográficas” debería haber sufrido tanto a manos de los cineastas, particularmente en Hollywood.
Las pocas películas exitosas de su trabajo tendieron a ser adaptadas por el propio Greene y / o hechas en Gran Bretaña: Brighton Rock de John Boulting, Went the Day Well de Alberto Cavalcanti? y The Fallen Idol, que no se ha visto desde hace mucho tiempo, que Greene y la directora Carol Reed hicieron en 1948, un par de años antes de que se embarcaran en el éxito mundial que fue The Third Man. Adaptado libremente de la historia de Greene en 1935 The Basement Room, The Fallen Idol sigue a Philippe (Bobby Henrey), el hijo de 7 años del embajador de Francia en Londres, quien se encuentra con el adultero asunto del valet de su padre Baines (Ralph Richardson) el objeto del mismo nombre de su adoración – y Julie, una secretaria de la embajada (Michele Morgan).
Tan llena de secretos y mentiras como cualquiera de las historias de espías de Greene, The Fallen Idol es también una de las grandes películas sobre inocencia de la infancia violada accidentalmente por adultos, que se remonta al ídolo literario de Greene Henry James “What Maisie Knew”, y se reenvía al LP Hartley’s The Go-Between (cuya adaptación de 1970 de Joseph Losey es una de las grandes películas de su época). Reed, un cineasta a menudo inconsistente, maneja magníficamente la brutal mecánica de la trama, con los interiores de mármol de la embajada contrastando marcadamente con sus tomas al aire libre casi neorrealistas de la posguerra de Londres.
8. El largo adiós
Elliott Gould en El largo adiós.
Robert Altman desarrolló su versión de The Long Goodbye como la historia de “Rip van Marlowe”: lo que sucede cuando la polla privada de la década de 1940 cae en un Los Ángeles de la década de 1970 que apenas reconocería como su hogar. En lugar de Humphrey Bogart de The Big Sleep, ahora es el desabrochado Elliott Gould, de cabello flexible. En lugar de tratar con mujeres de lengua afilada con rizos y hombreras, trabaja para una ama de casa Malibu con un gran vestido de sol y pies descalzos. Al actualizar el entorno de Marlowe, pero no su personalidad, Altman reinventa al hombre para la década de 1970, un detective cuyo ingenio y habilidades no pueden ser disminuidos por un mundo mucho más corrupto que él.
Altman y la guionista Leigh Brackett se toman inmensas libertades con la novela original de Raymond Chandler, inventan personajes enteros (como la viciosa Marty Augustine) y eliminan los principales, como el padre multimillonario de Sylvia Lennox. Aunque Altman y Brackett toman prestada la estructura básica de la novela, The Long Goodbye es esencialmente un riff sobre toda la obra de Chandler y su influencia en el cine. Es un noir revisionista que logra incorporar a uno de los íconos más grandes del género en su esquema, al mismo tiempo que aprieta y reverencia al querido detective privado.
Marlowe está hilarantemente fuera de sintonía con su entorno aquí, arrastrando los pies en su edificio de apartamentos de la era espacial y murmurando a las chicas hippie que hacen yoga al lado. Pero sigue siendo el héroe, el único hombre que se preocupa lo suficiente como para darle a Terry Lennox la justicia que se merece, el tipo que encoge a un gángster violento para seguir buscando a su gato perdido. El mundo se ha vuelto más loco de lo que Chandler había imaginado, pero Marlowe demuestra que puede soportar la prueba más difícil del tiempo, y nunca tiene que renunciar a sus cigarrillos ni a su Lincoln Continental de 1948 para hacerlo. Katey Rich
7. lolita
James Mason y Sue Lyon en la película de Stanley Kubrick de Lolita (1962). sin embargo, no sabía cuántos problemas le iban a meter, con varios cuerpos de censura y grupos de presión religiosos, nunca habría hecho de Lolita. Dice algo acerca de nuestro mundo cambiante que, a pesar de que la censura se ha relajado mucho en los últimos 51 años, la novela candente de Vladimir Nabokov ahora se pensaría más que nunca. De hecho, es bastante increíble que uno de los pocos compromisos que el exigente Kubrick tuvo que hacer fue elevar la edad de su joven heroína de los 12 años y medio de Nabokov a un 14 más aceptable.
Pero si parece sorprendente que la policía del pensamiento haya dejado la película de Kubrick sola en este inquietante mundo post-Yewtree, en retrospectiva, Lolita parece sorprendentemente preparada para el futuro. Aunque se identificó principalmente como director de películas de espectáculos geniales y distantes, Kubrick también tenía un gran sentido del ingenio sardónico y oscuro, y los elementos cómicos secos de Lolita aseguran que la película no pueda ser malinterpretada. La Lolita de Kubrick, aludiendo al amplio humor que se derramaría en Dr Strangelove y A Clockwork Orange, se lee mejor como una sátira del deseo masculino, con el personaje principal de Sue Lyon convirtiéndose en el foco de la lamentable crisis de la mediana edad de Humbert Humbert.
Como tono musical de Humbert, James Mason, los tonos gentrificados contribuyen en gran medida a garantizar que la película retenga algo de decoro, incluso mientras el profesor encaprichado sigue adelante con un matrimonio falso con la madre viuda de la niña (una actuación de campo muy agradable por Shelley Winters). Pero el destacado es quizás un papel pequeño pero fundamental de Peter Sellers como la némesis de Humbert, el camaleónico Quilty, un dramaturgo dramático que también compite por los afectos de Lolita. Aunque a menudo es visto como un precursor de las múltiples partes interpretadas en el Dr. Strangelove, el giro de Sellers aquí es un recordatorio de su verdadero potencial, que pronto será absorbido por una serie de películas cada vez más horribles de la Pantera Rosa. DW
6. Necesitamos hablar sobre Kevin
“Con valentía sin aliento”: Tilda Swinton y Jasper Newell en “Necesitamos hablar sobre Kevin”.
En la meticulosamente controlada adaptación de Lynne Ramsay de la novela de Lionel Shriver, solo vislumbramos la extraña gota de sangre. Eso es todo un logro, dado que el evento fundamental es una masacre en la escuela secundaria. Habiendo resuelto no mostrar lo que sucede cuando Kevin (Ezra Miller), de 15 años, comienza a arrancar a sus compañeros de escuela con una ballesta, Ramsay abarrota su película con los horrores de poder y los enemigos sustitutos. La pintura roja se usa en los ataques de venganza contra la madre de Kevin, Eva (Tilda Swinton). En el festival La Tomatina de España, los manifestantes apelmazados con pulpa de tomate representan a las víctimas de la masacre. El rojo está en todas partes. Un disparo incluso muestra a Eva bebiendo clarete mientras un oso de peluche rojo yace boca abajo en desesperación desesperada.
Los lectores de la novela de Shriver se habrán dividido entre aquellos que vieron al personaje como un monstruo sin complicaciones, y aquellos que desconfiaban del control de la narrativa de su madre. Es esta tensión la que la imagen explota hábilmente: el guión de Ramsay prescinde del formato del libro, que estaba estructurado como una serie de cartas de Eva a su esposo Franklin, y de la cronología misma. Además, la película es emitida por expertos. Swinton es físicamente agudo y ágil, se mueve como si tuviera cuchillas de tijera en lugar de huesos debajo de la piel. Esto le presta un parentesco no con el fornido John C Reilly, como Franklin, sino con Miller como Kevin. Ambos actores tienen tenedores de pelo negro y perfiles angulosos, andróginos; al menos una secuencia corta sus caras para sugerir que los caracteres son intercambiables.
Ramsay ha hecho una adaptación sorprendentemente lúdica invocando modales de películas de terror en un momento, y luego nos lo entrega al siguiente con secuencias de bravura. Entre ellos se encuentra el punto culminante de Diane Arbus: un paseo nocturno a través de los suburbios en Hallowe’en, donde los enmascarados de truco-o-tratadores se sacuden contra las ventanas de los automóviles. Ryan Gilbey
5. Ivansxtc
No Merchandising. Solo para uso editorial. Sin uso de la cubierta del libro. Crédito obligatorio: Foto de Moviestore Collection / REX (1578516a) Ivansxtc, Danny Huston Película y televisión PELÍCULA TELEVISIÓN IVANSXTC DANNY HUSTON Personalización de la película 12234543 Fotografía: Colección Moviestore / REX
Leo Tolstoi y Bernard Rose se remontan. Al director británico se le excluyó una vez de la suite de edición donde su adaptación de Anna Karenina estaba siendo masacrada. Quizás es una especie de venganza que Rose luego tomó otro trabajo de Tolstoy, La muerte de Ivan Ilyich, y lo hizo resueltamente a su manera. Ivansxtc (pronunciado “Éxtasis de Iván”), la primera de las cuatro adaptaciones de Tolstoy de bajo presupuesto que Rose lanzó en un video digital de alta definición, habla del agente hedonista de Hollywood Ivan Beckman (Danny Huston), un sabelotodo que no lo hace. incluso conocerse a sí mismo. “Trazo la línea de golpe”, dice solemnemente cuando habla sobre su hábito. Un momento después cambia de opinión. “Tal vez lo intentaré. ¡Es genial!” Una de las inspiraciones fue el ex agente de Rose, Jay Moloney, quien se suicidó tres años después de ser despedido de la poderosa CAA.
La muerte eventual de Iván es de cáncer de pulmón. Pero como corresponde a una película inspirada en Tolstoi, el verdadero malestar de Ivan no es físico sino espiritual. Este es un mundo de limusinas más largas que la costa de California, y líneas de cocaína más largas que las limusinas. Los personajes, incluido un cineasta que asiste al funeral de Ivan porque es la única forma en que puede acorralar al agente que ha estado esquivando sus llamadas, están completamente formados y son muy observados. Como Don West, una superestrella de la lista A con un apetito sexual vampírico, Peter Weller le da un enfoque a la sordidez. Es más robótico que nunca en RoboCop: al menos en esa película se podía sentir la humanidad detrás de la cáscara de metal. Rose no enfatiza el punto, pero el Oeste podría ser una metáfora de Hollywood, ¿el Oeste como en la Costa Oeste, tal vez? No hay nada detrás del deseo carnívoro de este demonio, sino un deseo más carnívoro. En la película de Rose, por otro lado, puedes sentir lástima, disgusto y compasión. RG
4. Adaptación
El guionista Charlie Kaufman (Nicolas Cage) desarrolla un caso serio de bloqueo del escritor en la comedia Adaptación. Fotografía: AP
A fines de la década de 1990, se encargó a Charlie Kaufman que escribiera una adaptación de The Orchard Thief, un libro de no ficción de Susan Orlean. Pero Kaufman fue bloqueado, no pudo encontrar el camino, así que rompió su borrador y escribió Adaptación en su lugar. Se escribió a sí mismo como la estrella, inventó un hermano ficticio llamado Donald y luego, magnánimamente, encontró un papel de apoyo para Orlean como una especie de lujuriosa Lady Macbeth que inhala narcóticos, duerme con sus súbditos y planea la sangrienta muerte de sus enemigos. Orlean hojeó el guión en un estado de creciente confusión. “La idea de ser retratada como un desastre de drogas no concordaba conmigo”, admitiría más tarde.
La adaptación no cuadra especialmente con nada y eso es lo que la hace genial. Es un acto de Houdini, una hazaña de escapología; Una teoría de estilo libre sobre el proceso creativo en el que la evitación y la lucha se convierten en la historia misma. Ayuda, por supuesto, que la película sea tan divertida como auto-referencial. Kaufman elige astutamente pinchar la postura angustiosa de Charlie al hacer que Donald castigue en un thriller de basura llamado Los Tres, en el que un asesino en serie que sufre de un trastorno de personalidad múltiple termina efectivamente persiguiendo a sí mismo. Naturalmente, Charlie está disgustado; Él quiere tomar el camino alto. Pero su propio guión no va a ninguna parte y se pierde en el pantano. ¿Se pierde la adaptación en estos frenéticos momentos finales, cuando los autos se voltean, los caimanes se juntan y el conteo de cuerpos aumenta? Enfáticamente no, es todo de una pieza, el último truco de magia. Cuando Charlie no puede terminar su historia, le queda a Donald que se lance a la mezcla y nos envíe con una explosión. Xan Brooks
3. Brokeback Mountain
Secreto en la montaña
Ennis Del Mar y Jack Twist son un par de vaqueros de flecha rectas que se hacen cargo de pastorear ovejas y tienen relaciones sexuales en la ladera cuando cae el sol. Jack y Ennis se aman y quieren estar juntos, pero no pueden admitir esto porque su amor es impensable. Más tarde, ambos se casarán y tendrán hijos, y llevarán vidas convencionales que de alguna manera se sienten tensas y falsas. Brokeback mountain fue un sueño, aunque brilla más que la realidad que sigue.
El romance de 2005 de Ang Lee está protagonizado por Heath Ledger y Jake Gyllenhaal, mientras que el guión ganador del Oscar fue escrito por Diana Ossana y Larry McMurtry. Se basa en una historia corta de E Annie Proulx, esbelta y sincera, una historia que cubre el suelo con los pasos más ligeros. La película tiene el mismo espíritu, el mismo anhelo, la misma amplitud de visión. Esboza la vida útil de dos hombres, que vivían en gran parte en las sombras. En su estreno teatral, Brokeback Mountain fue catalogado como “la película del vaquero gay”, aunque desde entonces el debate se ha centrado en su verdadera orientación. Algunos críticos argumentaron que los personajes se describirían mejor como bisexuales, en el límite, con Ennis a la derecha y Jack Twist a la izquierda. Pero no estoy seguro de que importe. Brokeback Mountain puede elevarse por encima de esas etiquetas, incluso cuando sus personajes se contraen y luchan y se sienten presos por ellos. Es una película sobre el amor que libera y el miedo que inhibe, y sobre ese verano dorado que galopa hacia el pasado. XB
2. El conformista
Jean-Louis Trintignant (como un asesino fascista) y Stefania Sandrelli en The Conformist. Fotografía: Allstar / Cinetext / MARAN FILM
Su reputación ha retrocedido un poco en el horizonte desde su muerte en 1990, pero en su época Alberto Moravia fue un novelista europeo intelectual por excelencia, patrullando las líneas morales a lo largo de las cuales la política, que para él significaba fascismo, clase, particularmente la burguesía ociosa de la que provenía. La religión y la conducta sexual transgresora se entrecruzaron, con un gran costo para sus personajes. Muchas de sus novelas fueron éxitos de ventas internacionales, y varias fueron adaptadas por directores de renombre. Estas incluyeron Two Women by Vittorio da Sica, Contempt by Godard, y Boredom, adaptada por Damiano Damiani en 1962, y rehecha por Cedric Kahn en 1998.
Pero la adaptación de Bernardo Bertolucci de la novela Il Conformista de Moravia de 1951 se destaca por encima de todos ellos como un logro duradero en el cine internacional y como el pináculo de la carrera de Bertolucci. Su relato de las neurosis y la autoestima de un fascista que se confundió sexualmente (Jean-Louis Trintignant) y que deseaba encajar en Roma en 1938, quien es enviado a París para asesinar a su ex profesor universitario antifascista, se consideró un instante. Clásico en lanzamiento.
Fue, y es, un punto culminante del modernismo tardío, muy consciente de sí mismo y estilísticamente estilizado, y se basa en la historia cinematográfica italiana más reciente: un poco de neoneorrealismo, una gran cantidad de mise-en-scène estilo Antonioni. , algunos momentos que recuerdan a Fellini. Y todo estaba enmarcado dentro de una evocación del frívolo estilo cinematográfico de la era fascista ridiculizado por la generación de Bertolucci como el cine del “teléfono blanco”. Agregue una dosis de confusión sexual y desnudez poco saludables, y no es sorprendente que haya sido uno de los éxitos internacionales del año.
Ciertas secuencias permanecen mucho tiempo en la memoria: el brutal asesinato del profesor en un bosque nevado; el manicomio de blancos donde Clerici se encuentra con su padre loco; y una sorprendente secuencia de baile con Domininque Sanda y Stefania Sandrelli en (y fuera de y de nuevo en) una sala de baile de cristal (un anticipo de Last Tango) También ofreció el plan para la nueva ola de cineastas de Hollywood a un tipo diferente de El cine y una hoja de ruta de nuevas posibilidades formales. JP
1. Alguien voló sobre el nido del cuco
Jack Nicholson como Randle McMurphy en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975). Fotografía: Roland Grant Archive
Sonriendo y burlándose, el paciente psiquiátrico más problemático de la historia del cine Randle “Mac” MacMurphy agarra el cabezal de la ducha en la Sala de Tinas y lo rocía como un cañón de agua anárquico. No está atacando a las enfermeras ni a los médicos, sino a sus compañeros pacientes, a los que necesitan despertarse, a los que consienten en ser pacientes presos presos y que han hecho su propia cárcel.
One Flew Over The Cuckoo’s Nest de Milos Foreman (1975) es una adaptación de Bo Goldman y Lawrence Hauben de la novela de Ken Kesey de 1962, a través de una versión de Broadway de Dale Wasserman representada un año después de la publicación del libro protagonizada por Kirk Douglas, cuyo hijo Michael produjo La siguiente versión de la película y tuvo la difícil tarea de explicarle a Kirk que ahora quería a alguien más joven para la película.
Es una pesadilla contracultural que conserva su poder de conmoción. ¿Quién no ha tenido la pesadilla o la fantasía masoquista de terminar de alguna manera mal en un hospital psiquiátrico y darse cuenta de que cada cosa de pánico que haría entonces (gritar, suplicar, rabiar, imitar desesperadamente los modales de cordura que de otra manera surgirían naturalmente) lo haría? Por supuesto ser interpretado como una locura? ¿Y, con el tiempo, se volvería loca?
Jack Nicholson interpreta a Mac, un alborotador de origen natural y un interlocutor que hace tiempo para la violación estatutaria. (“Ella tenía 15 años, continúa con 35.”) Fue entregado a las autoridades psiquiátricas bajo la sospecha de que fingía una locura para salir de la cárcel y entrar en un centro mental cómodo. Pero este lugar siniestro, con sus medicamentos, muzak, terapia de shock electro-convulsivo e intervención quirúrgica, es como la cárcel pero peor. Una de las mujeres a las que Mac luego se desliza señala otro parecido deprimente: “¡Esto se parece a mi escuela secundaria!” Solo un loco fingiría estar loco por venir aquí. Demasiado tarde, Mac se da cuenta del Catch-22. Cuando Mac llega a conocer a sus compañeros pacientes, incluido Martini, interpretado por un joven Danny DeVito y el Jefe Bromden (Will Sampson), un gran nativo americano que nunca habla, se convierte en su carga simbolizar la locura pura y la oposición tremendamente desafiante a la etiqueta de locura. .
Cuckoo’s Nest es muy similar a las películas que rompen prisiones como The Great Escape y Cool Hand Luke, o incluso a películas militares como Full Metal Jacket; pero Mac no ha sido redactado o encarcelado como tal. Se sorprende al darse cuenta de que es una de las pocas personas que realmente se ve obligada a estar allí: el resto son pacientes voluntarios que se han institucionalizado. Las películas de la prisión o de la guerra tienen lugar en un mundo masculino sudoroso, pero estos hombres perturbados están rodeados de mujeres delicadas: enfermeras, particularmente la enfermera enfermera y enfermiza, interpretada por Louise Fletcher: una sacerdotisa de lengua afilada que administra drogas tranquilizantes en una especie de Ceremonia de santa comunión. De hecho, ella no es la sadista bidimensional de la reputación. En una conferencia médica, se muestra a Ratched discutiendo el caso de Mac con lo que parece ser interés y compasión. Es ella quien fatídamente le dice al director del hospital que debe permanecer en el hospital y no volver a la prisión como un farsante. Pero, ¿se debe esto simplemente a su insidioso deseo clínico de someter y reprimir?
Desde la primera, Mac coquetea con y con las agujas de la enfermera Ratched; él desafía su autoridad. Organiza sesiones de baloncesto, exige tiempo fuera de la terapia de grupo para ver deportes de televisión; Mac es alegre, que mejora la moral de los pacientes e incluso (brevemente) cura el tartamudeo de un niño gentil y vulnerable haciéndole tumbar. No es simplemente que Mac sea la única persona sana en un mundo de locura. Él es el único médico en funcionamiento.
Pero, ¿Mac estaba fingiendo estar loco en cualquier caso? Cuckoo’s Nest surgió en un momento en que las teorías antipsiquiátricas de RD Laing eran actuales. Mac señala a un paciente y grita: “¡No estás más loco que el gilipollas promedio caminando por la calle!” A lo que la enfermera Ratched responde fríamente: “Una observación muy desafiante”. La academia angloamericana estaba absorbiendo las obras de Michel Foucault, quien argumentaba que las prisiones, los asilos y los hospitales estaban construidos por la punitiva necesidad occidental de vigilancia y control, todo en nombre del racionalismo. De hecho, Foucault contrastó los hospitales penitenciarios de la Ilustración con un mundo medieval en el que los locos vagaban tan libres como en el barco de los locos del siglo XV de Sebastian Brant. Es muy parecido a la alegre expedición de pesca que Mac organiza para sus nuevos amigos robando un bote y navegando en un espíritu de carnaval con su tripulación loca, e incluso atrapando triunfalmente algunos peces, antes de que todos sean capturados y arrastrados hacia adentro. Antes de eso, Mac había pellizcado un autobús y había conducido a sus discípulos en eso, muy parecido al propio Ken Kesey y sus alegres bromistas en el autobús mágico de los años 60, inmortalizado en la prueba de ácido de Kool-Aid de Tom Wolfe.
En la última película de Foreman, Amadeus, el manicomio fue un lugar de desesperación miserable, presidido por el auto-odio de Salieri, que cantaba desde su silla de ruedas: “Mediocridades en todas partes … Te absuelvo … Te absuelvo …” Pero eso no es exactamente cómo El capataz ve el hospital aquí. Los culpables no son los pacientes, sino los malignos debidos a los tribunales y al establecimiento médico, más culpables incluso que el propio enfermero Ratched, cuyo propio pesar es un simple y bastante humano fracaso para ejercer el control después de que Mac organiza una fiesta caótica.
Esta película no es una película de terror ni una fantasía gótica, aunque con su esquema de color espeluznante de paredes blancas y su calma siniestra y siniestra, tiene el aspecto de una ciencia ficción futurista. A pesar de sus ocasionales tendencias escalonadas y verbosas, es convincente y absorbente, y tiene una base objetiva. Después de todo, Rose Kennedy, hermana de John F. Kennedy, se le realizó una lobotomía a la edad de 23 años porque su padre Joe decidió que su comportamiento era inestable. ¿Estaba ella tan animada? ¿Rebelde? ¿Quién sabe? Alguien voló sobre el nido del cuco es una película mordaz, dolorosa e intensamente subversiva
2. The Shawshank Redemption (1994) – por Stephen King 
3. Fight Club (1999) – por Chuck Palahniuk 
4. Trainspotting (1996) – por Irvine Welsh 
5. Shutter Island (2010) – por Dennis Lehane 
6. El Prestigio (2006) – por Christopher Priest 
7. The Shining (1980) – otra vez por Stephen King 
8. La lista de Schindler (1993) – por Thomas Keneally 
9. Un paseo para recordar (2002) – por Nicholas Sparks 
11. Brokeback Mountain (2005) – por Annie Proulx 
12. La chica del tatuaje del dragón (2009) por Stieg Larsson 
13. American Psycho (2000) por Bret Easton Ellis 
14. El silencio de los corderos (1991) por Thomas Harris 
15 . Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) – por Ken Kesey 
