Cualquiera puede hacer algo que parezca profesional, aunque esto no es lo que quieres.
Lo que quieres es algo que sea. profesional – hay una diferencia
Crear películas de aspecto profesional no es algo que sucederá de la noche a la mañana, porque la verdad es que algo que parece profesional es muchos cientos de pequeñas cosas a la vez.
Es un tema bastante vasto, pero haré todo lo posible para proporcionar un resumen útil.
Aquí está mi consejo sobre en qué enfocarse, en orden de importancia:
Nota: Si no tiene las cosas en la parte superior de la lista, las que están en la parte inferior no importarán ni un solo bit.
- Contando una historia
- Todo lo demas
No te preocupes, llegaré a la parte de ‘todo lo demás’ en un momento
Pero la historia es tan importante que merece una mención especial: si hay algo que separa a un amateur de un cineasta profesional más que nada, es que aún no se han dado cuenta de esto.
En primer lugar, esto se aplica a la escritura real de la película en sí.
Usted pregunta: ¿qué hará que su película se destaque?
Cuento, siempre. 100% historia.
No se equivoque, si la gente no responde bien a sus películas o si no cree que estén a la altura. No es porque se vean mal, o incluso porque tienen mala actuación, será porque la historia es mala.
Lo sé porque he visto películas que parecen raras y tienen mala actuación, pero se las arreglan para entretenerme de todos modos.
Ese es el primer paso y el más importante: escribir una buena película.
Si lo haces, casi todo lo demás no importará.
Usted está preguntando acerca de los valores de producción, por supuesto, y la historia también se aplica a esto.
Lo que es importante darse cuenta con el cine es que todo lo que haces implica contar una historia.
Cuando ves un disparo y piensas “wow, eso es un disparo genial”, se debe a que el disparo te involucra en la historia en particular que se cuenta.
Toma cualquier foto de la historia del cine, di esta de Die Hard.
En términos de cómo esto se logra técnicamente, es algo bastante estándar.
Si le quitas a Bruce Willis de esta foto, básicamente tienes una calle de Nueva York a la luz del día.
¡Aburrido!
Lo que hace que el Die Hard shot sea convincente tiene que ver con el personaje y la historia. Si has visto esta película, a partir de este único fotograma podrás ver la historia completa. El tipo que le está haciendo resolver acertijos para detener las bombas.
En esta foto se usa un lente largo (teleobjetivo) y poca profundidad de campo para hacer que todo se sienta cerrado sobre Bruce Willis.
Ayuda a crear la sensación de que el tiempo se está acabando.
En otras tomas se muestra más de la ciudad, para dar una idea de la pérdida de él en esta jungla urbana, y también para recordar a la audiencia que los ciudadanos que se encuentran en su día están en peligro.
Aparte de eso, básicamente tienes una cámara y una lente, no muy diferentes de tu cámara réflex digital promedio, y una escena con luz natural.
Se trata de cómo y dónde se apunta la cámara para contar mejor esa historia que hace la diferencia aquí. No hay algún ingrediente mágico secreto, solo una historia bien escrita, actores bien escogidos en un lugar bien elegido.
Como digo, si no tienes estas cosas, alcanzar un nivel de profesionalismo no tiene sentido, y también puedes ir a filmar un video.
Suponiendo que tiene estas cosas, esto es lo que puede hacer para aumentar la profesionalidad:
1 Disparar imágenes estables .
Recuerdo haber asistido a un curso de cine una vez y el chico nos preguntó qué es lo que hace que una película parezca profesional. Todos decían cosas como ‘iluminación’, ‘efectos especiales’ y todo este tipo de cosas. Y él dijo que no, que tus imágenes no son inestables.
Tiene razón, el mayor problema con las imágenes de aficionados es que las imágenes tienden a ser terriblemente nerviosas. La razón por la que esto es malo es porque si el metraje es inestable cuando no se supone que lo es, se rompe la cuarta pared (ilusión de la realidad).
Piense en ello: cuando camina en el día, su cabeza no vibra, de hecho, su cerebro compensa los pequeños movimientos para que sienta que su visión es suave. Así que las imágenes ‘nerviosas’ distraen y nos sacan de la película.
Una básica, pero importante.
Por ejemplo, si está grabando en una computadora de mano, es malo tener esos pequeños nervios que surgen de sostener la cámara directamente en su mano. Deberías montar la cámara en una plataforma de algún tipo.
Se pueden construir para el bricolaje bastante barato, no es necesario gastar mucho dinero, se trata principalmente de comprender la física involucrada.
Si este es un problema en sus películas, sugeriría experimentar con formas de estabilizar su cámara en particular.
2 Piensa en la iluminación y el color.
De nuevo – historia.
No se limite a pegar una iluminación elegante a alguien o use bokeh en su foto porque se ve bien. Piénselo desde el punto de vista de una historia: ¿qué emoción debe transmitirse? Luego ilumina tu escena de una manera que transmita esta emoción.
Es mejor hacer un intento de aficionado a la iluminación por emoción que tener una configuración de iluminación elegante y profesional que no sea apropiada para la toma.
Los colores también tienen un gran impacto: los cineastas profesionales son muy selectivos acerca de qué colores se presentan en una toma y por qué.
3 Edición
¡Este debería ser más alto realmente!
Pero de todos modos, todos estos mismos principios se aplican a su edición. En una película profesional, se debe pensar mucho en elegir el momento adecuado para cortar (si no estás agonizando con tu edición, probablemente no lo estés haciendo lo suficientemente bien).
Su principal preocupación es mantener a la audiencia invertida emocionalmente. Se trata de mantener la historia avanzando al ritmo correcto: recorte demasiado pronto y su edición será entrecortada, corte demasiado tarde la escena carecerá de ritmo. Corta al plano equivocado y habrás perdido al público.
Alterna entre todos estos y el público querrá suicidarse …
Este es un gran tema, imposible de cubrir por completo en esta respuesta.
Sugiero leer In The Blink of an Eye de Walter Murch si aún no lo ha hecho, que contiene todos los consejos que necesita para poder editar bien.
4 sonido
¡Otro que también merece el puesto número uno más importante!
Hay dos factores aquí: primero es grabar un buen sonido en la ubicación. Hay algunas opciones bastante baratas disponibles para esto.
Probablemente estés hablando de $ 100 – $ 200, aunque al menos para obtener algo pasable. Las opciones realmente baratas no suelen funcionar muy bien con el sonido.
La segunda parte es la edición de sonido. Una vez más, el sonido es otra herramienta de narración que a menudo es ignorada por los cineastas aficionados.
De la misma manera que en las películas profesionales, la iluminación y los colores son muy “selectivos” y se utilizan para mejorar la narración, también lo es el sonido.
De nuevo, otro tema enorme, digno de un curso completo! Hay mucha información disponible en línea sobre el diseño de sonido y su potencial narrativo.
5 Fíjate que no dije cámara
No importa qué cámara tengas, en lo más mínimo.
La cámara promedio en estos días tiene una calidad fenomenal, y si estuviera tan inclinado, podría obtener algo impresionante con un iPhone.
Ver: ¿Qué cámara tiene que tener un cineasta amateur para aumentar el valor de producción?
Si alguien te dice que necesitas esta o esa cámara, ¡no les creas!
Sin embargo, lo más importante es centrarse en escribir una buena película en primer lugar, y luego encontrar maneras de mejorar la narración de esa historia con las otras herramientas a su disposición.
Puedo recomendar Every Frame a Painting, que ofrece detalles fantásticos sobre cómo se utiliza la cinematografía en la realización de películas para contar una historia, y el número de cineastas que hacen para hacerlo.