¿Cómo dibujan / pintan los artistas tan perfectamente?

¿Sabías que los viejos maestros se distanciaron del tema que describían? Se sabe que Gustav Klimt solía mantener a su modelo detrás de las puertas cerradas y solo venía de vez en cuando para verificar y ver (y, a veces, aprovechar, pero sería otra historia:)…. Menciono esto para señalar un hecho (y para mí lo más importante): la perfección, la seguridad, la claridad y la facilidad percibida de un boceto están relacionadas con cierto desapego de un artista de un tema, una vez que permites que el sujeto asuste o se asuste. Te abruman, pierdes tu suavidad. Le estoy sirviendo la imagen anterior como ejemplo de una situación, donde perdí todas las cualidades mencionadas anteriormente debido a la complejidad de una tarea en cuestión. Mi culpa.

Imagen mental / imaginación / trabajando en ello: todos estos tres se juntan, una vez que comienzas a pintar / dibujar … Un aspecto influye constantemente en los demás y tu función es permitir que te dejes llevar por el flujo combinado de las tres fuerzas anteriores. Una vez que empieces a apoyar a uno de ellos, el resultado se echará a perder. El boceto rápido anterior muestra (espero) la relación entre el trazo natural y el único impulsado inconscientemente en uno y la composición general, muy bien pensada, por otro lado.

¿Para saber por dónde empezar? No, al principio solo hay la necesidad de comenzar … El resto simplemente fluye (vea lo anterior): lo único que importa es la necesidad, una vez que sea lo suficientemente fuerte, le revelará el “dónde”. Y solo estamos hablando de principiantes: la parte central, “seguir”, es bastante simple, al menos para mí, una vez que el inicio está configurado correctamente. La parte final es mucho más complicada. Por un lado, le gustaría que su boceto se mantuviera fresco y en vivo, por otro lado, existe la necesidad de hacerlo más perfecto, detallado … ¿tal vez aburrido al final?
El boceto anterior es el que más valoro de los ejemplos que acabo de dar: parece fácil, pero completo. Recuerdo que sentí todos los comienzos y finales para venir a mí con toda naturalidad, sin ningún esfuerzo. Tal vez incluso me sentí como títere de Dios? Ok, estoy exagerando, solo por diversión, así que concentrémonos en la práctica:

No hay “o” con el _lote de práctica_, logrando todo lo anterior (me refiero a las virtudes, no a los ejemplos reales, estos valen solo en los casos en que los usé para demostrar) lo que hace que pase horas dibujando DIARIAMENTE. Todo tiene sentido una vez que empiezas a hacer las cosas sin pensar. Ejemplo flojo: un amigo mío, que toca el violín, una vez me explicó: “Hay varias formas de tocar Paganini. Es muy rápido. Al mismo tiempo, el violín le permite emplear varias técnicas para lograr el El mismo tono. Cada una de estas técnicas requiere una posición diferente de los dedos. Una vez que opte por una posición / técnica al principio, puede encontrar fácilmente que sus dedos no son lo suficientemente rápidos como para permitirle ir a la siguiente posición, según lo solicite un Así que mi manera de aprender Paganini es la prueba y el error continuos, donde solo trato de encontrar mi camino a través de una pieza hasta su final “. Hay un montón de detalles, adiciones y comentarios de expertos en conocimiento de lo anterior, pero aún así: como se ve en lo anterior, tiene que hacer sus dedos para poder moverse con rapidez antes de que pueda comenzar a hablar de música.

Algunos artistas nacen con un talento más natural que otros, pero el dibujo y la pintura son habilidades que se mejoran con el entrenamiento, la práctica y la aplicación dedicada de la pasión de uno por ella como cualquier otra cosa que las personas hacen. Incluso si nace con talento natural, todavía tiene que aprender a usar las herramientas de su oficio y trabajar para mejorarlo. Las personas con talento trabajan tan duro como cualquier otra persona. No dibujo o pinto perfectamente. Afortunadamente, no es necesario.

La mayor parte de cualquier proyecto de pintura, para mí, se realiza antes de aplicar pintura a una superficie. Decido sobre un tema, qué tamaño tendrá y qué papel funcionará mejor, ya sea más suave o más áspero. Dependiendo del tamaño de la pintura y la elección del papel, es posible que el papel deba estirarse. Adjunto el papel a un tablero de soporte duro, a menos que esté pintando en un bloque de papel. Fotografío mi tema y planeo cómo me gustaría pintarlo. Produzco un dibujo preciso, un desafío para mí, y luego transfiero el dibujo al papel de acuarela preparado y pego los bordes. Elijo colores y armo una paleta y armo pinceles, herramientas y frascos de agua. A menudo estudio y practico los lavados, los detalles y las técnicas que requerirá la pintura para lucir como lo deseo. Me gusta preparar con anticipación un boceto ligeramente pintado para referirme a mi paso, con los colores de pintura y las mezclas escritas en él. Cuando estoy listo para comenzar a pintar, mezclo los colores que necesito para cada capa de pintura con anticipación. A veces enmascara las áreas para poder pintar un fondo y aún tengo el blanco del papel preservado en lugares para obtener detalles. Pinto en acuarela, así que tengo que dejar que cada capa de pintura se seque antes de pasar a la siguiente. A veces también uso tintas y lápices de acuarela. Me refiero continuamente a mi boceto y mi fotografía original, y pruebo mis colores en papel de desecho a medida que avanzo. Cometo errores que requieren práctica para aprender a corregir (o evitar). Cuando una pintura está completa, descubro cómo enmarcarla o presentarla.

No todos pintan como yo, por supuesto, pero no creo que la mayoría de los artistas formen una imagen espontánea en sus mentes y empiecen a tirar pintura. Yo no. Solo pinto en mi tiempo libre y nunca he vendido un cuadro, pero he hecho regalos que son bien recibidos.

Espero que esto ayude a responder sus preguntas.

Yo creo. para algunos, su don artístico es innato; como dibujante / pintor autodidacta, no caigo en esta categoría. Comencé a cumplir los 30 años con el deseo de sorprenderme, me enseñé lo que podía del libro “Dibujo para tontos” (te sorprenderían las habilidades que surgieron de este manual) que estaba sin abrir en el estante del aula. Invertí más tiempo que dinero, y seguí desde allí.

Han pasado aproximadamente 7 años desde que tomé ese libro y me abrí paso a través de los ejercicios que se encuentran en el interior, practicando lo básico paso a paso de las habilidades: desde dibujar una línea recta o un círculo redondo, de mano libre, hasta el sombreado. perspectiva, proporción y la capacidad de ver las formas, líneas y sombras que conforman el mundo que te rodea. La creatividad visual es un músculo menos esculpido en mi conjunto de habilidades, pero esto también ha mejorado con el paso del tiempo.

Dado que el objetivo desde el principio fue ver si podía sorprenderme y desarrollar niveles de habilidad decentes en un área donde no empecé con ninguna, no tengo muchas críticas perfeccionistas en mi cabeza, lo que hace que todo el viaje sea un Mucha diversión, y también me liberó para jugar con otros medios no digitales: pinturas, pasteles, lápices de colores, marcadores. Estoy encantado de informar que me he sorprendido con ellos también. Hasta ahora, todo el experimento ha sido muy positivo para mí, sobre todo porque no estoy luchando por nada más allá de lo que ya he logrado, cambiando una de mis percepciones de “No puedo hacer eso” en algo muy diferente.

Menos uso de la mente, más del ojo.

Los artistas obtendrán las proporciones más simples en el trabajo teniendo una visión lo más holística posible. Algunas clases hacen que los alumnos realicen sorteos de 5 segundos, porque es posible obtener una imagen a través de una impresión mínima. Eso es realmente clave.

Supongo que usan la mente para llevar el “rastro” del objeto y proyectarlo en el papel, y el juicio de proporciones requiere mucho esfuerzo mental.

Los artistas piensan mucho sobre técnicas y atajos. Pensar en cómo pueden representar esa cosa, a menudo resultará en una abreviatura de pinceladas o líneas, que es reconocible como el objeto, pero cuando lo miras de cerca, parece increíblemente simple. El pintor no está tratando de retratar ese objeto físico como existe más generalmente, sino la forma en que aparece desde ese punto en particular.

Dicho esto, por mi parte, pude dibujar poco a poco, comparando las proporciones a medida que avanzaba, pero esto puede dar como resultado dibujos torcidos. Por varias razones, es simplemente mejor trabajar desde una visión holística y completar más tarde.

Prima:

Generalmente, el trabajo rápido da como resultado un arte superior al que se ha copiado servilmente. El buen arte tiene una calidad sintética, lo que significa que es mayor que la suma de sus partes. A todos los artistas de la cultura europea se les ha enseñado a pensar en capas, de modo que el detalle se encargue de sí mismo, lo que permite al artista tomar las importantes decisiones estéticas al principio.

La “perfección” de una imagen está muy en el ojo del espectador. Sospecho que virtualmente todos los artistas de todos los tiempos (que son capaces de ser honestos con ellos mismos, y no se dejan engañar por los posibles elogios de otros, y no han decidido arbitrariamente que algo es ‘perfecto’, para que puedan reutilizar este estilo y vender cosas) no usaría esa palabra para ninguno de sus trabajos. Posiblemente sea esa misma falta de perfección en cualquier trabajo lo que estimule al artista en su exploración, y que todo trabajo sea en realidad trabajo abandonado.

También hay un problema con la definición de “perfección”: para algunos esto significa foto real (no yo), para otros es una especie de verdad psicológica (sí) o una nueva perspectiva de la realidad interna o externa (sí) , belleza (no yo), falta de compromiso (sí) …

Me doy cuenta de que el trabajo de los artistas que se vende bien al público en general está muy bien presentado, y que a menudo encaja perfectamente en algún tipo de estilo convencional, ¿es este un tipo de perfección?

Dejando esto a un lado, el ‘cómo’ ya ha sido bien respondido: trabajo, práctica (crítico, no repetitivo, suelto, ajustado, consciente, libre de pensamientos)

Tal vez la parte ‘innata’ tenga menos que ver con la experiencia técnica, pero más con el compromiso psicológico del artista con el mundo, su filosofía, etc.

Una forma de representar una imagen de algo es dividir el objeto en formas básicas, a partir de las cuales se puede construir la imagen final. La reducción de objetos complejos a formas abstractas le permite organizar adecuadamente su composición. Cuando dibuja una figura humana, por ejemplo, comienza con una figura de palo y luego agrega círculos y triángulos que proporcionarán la forma de su trabajo completado. Hay libros y libros sobre cómo construir correctamente el cuerpo humano de esta manera.
Hago lo mismo cuando dibujo para un paisaje, reduzco las montañas a una serie de triángulos y distribuyo todo el paisaje como formas simples y relacionadas antes de comenzar a agregar los detalles específicos, y antes de comenzar a preocuparme por hacer cosas interesantes. formas Pienso en cómo se “construyen” las montañas, y dibujo los miembros de un árbol, incluso si no tengo la intención de que se muestren en el trabajo terminado. Si construye una estructura precisa para su imagen, entonces puede construir la imagen en una serie de pasos, si sabe qué pasos lo llevarán al trabajo final completo, la mitad de su trabajo ya está hecho.
¿Cómo sabes esto? Práctica.

Práctica y tiempo. Muchas veces tienes que desaprender malos hábitos. En realidad tomé clases de dibujo en la universidad. Por cada ‘obra maestra’ hay muchas obras que nunca ven la luz del día. Puedes crear una mockette (una maqueta, un modelo, algo más pequeño que la pieza final) para ayudarte a resolver los problemas técnicos y estéticos que puedes encontrar más adelante. Los escultores hacen esto, los estudiantes también lo hacen. Lo hice. Los pintores harán un ‘estudio’ y pequeños bocetos antes de comprometerse en un proyecto completo. En mi humilde opinión, un trabajo nunca se hace, solo te detienes un día y está ‘terminado’, la mayoría de mis trabajos evolucionaron durante su creación, por lo que me demoré tanto en terminar las cosas, para disgusto de mi esposa. Crear arte no es crear un producto, como mecanizar una pieza de avión. Es cierto que algunos artistas famosos podrían juntar algo y venderlo por su nombre, tal vez estaban haciendo un producto, no lo sé, no soy un artista famoso.

Practica y mas practica. Puedes tenerlo en ti, pero si no practicas, ¿cómo aprenderías a hacerlo? Creo que hay personas que aprenden más rápido o lo hacen mejor, pero nunca he conocido a nadie que lo haga sin tomarme el tiempo para practicarlo. Creo que algunas personas tienen genes que se activan cuando practican, y es por eso que lo hacen mejor que otras que trabajan más duro.

Tengo un amigo que puede hacer cuerpo humano y cualquier cosa solo con su imaginación, pero él ha practicado largas horas. Ahora es muy bueno, pero le tomó años y años de práctica hacerlo.

Nuevamente, no creo ni tengo ninguna evidencia de que la gente sepa cómo dibujar sin práctica. ¿Alguna vez has conocido a alguien que pueda hacer algo sin ninguna práctica? Yo no.

Se trata de una práctica consistente y una gran experiencia en este campo.

Porque son artistas … No empezaron a dibujar o pintar en una sola mañana. Habían practicado durante varios años.