Para entender cualquier movimiento intelectual, como el cine, hay que mirar lo que vino antes. Cada movimiento es una respuesta al movimiento más antiguo de otra persona.
Hay literalmente cientos y cientos de libros escritos en el estilo CV y especialmente los trucos técnicos empleados, como se describe en otras respuestas aquí. Pero creo que quieres saber más que sus aplicaciones técnicas.
Hay una gran película con Ernest Borgnine llamada Marty sobre un soltero y su aceptación inicial de la soltería de por vida y su (¡sorpresa!) Eventual romance. Ganó el Oscar a la Mejor Película en 1955. El Sr. Borgnine ganó el de Mejor actor por su papel principal. Si tienes tiempo para verlo y tienes curiosidad, realmente vale la pena. Pero es tan falso.
Mira este video de su madre animándolo a salir. Son unos 3 minutos pero vamos a recogerlo limpio.
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A los doce y diecinueve, mira a su madre con incredulidad y repite solo una parte de la pregunta. “¿Cargado con qué?” “¿Tomates?” Dice ella, vacilante. Es un truco que los viejos escritores solían usar para llamar la atención sobre algo gracioso o importante. Significa que volverá más tarde. En la vida real, decíamos cosas como “¿Qué?” O “¿Qué dijiste?” Y teníamos una expresión divertida en nuestra cara. En otras palabras, tendríamos una reacción clara (o absolutamente ninguna). Todavía lo hacemos en películas mal escritas (una vez que te das cuenta de que ya no te lo perderás) y siempre es por efecto cómico o dramático. Es un gran cartel que dice HEY, MIRE AQUÍ, ALGO ESTÁ PASANDO. Esta fue la naturaleza de las obras de teatro y las películas antes de CV.
A los 0:34, repite su ingenio. “Cargue con tomates … Caramba, eres gracioso, mamá”. ¿Te das cuenta de que mira hacia arriba y hacia la izquierda y se ríe levemente al principio? Vamos a volver a esa mirada pero la risa DEBE estar en la respuesta para que todos sepan que él piensa que es divertido o increíble. No hay un destello momentáneo en la cara para ver sus cejas elevarse, su sonrisa vagamente aparece, nada como una reacción real que podríamos tener tú o yo. (Por supuesto, podemos tener esta reacción, pero se siente un poco forzada, ¿no es así?) Voy a omitir muchas cosas pequeñas que probablemente no haya notado (¿Cuándo va a tomar esa maldita mordida de ¡espaguetis!). Pero mira la ira que se eleva cuando se describe a sí mismo como un hombre gordo y feo. Él salta de la mesa a la 1:39, “¡ME DEJA SOLO!” ¿Pero qué hace? Le da la espalda, se detiene sin ninguna razón en la sala de estar y espera para girar y luego se da la vuelta y se inclina hacia ella, mamá, ¿qué quieres de mí? “Ese salto, la parada de parada es un clásico La frase del actor significa que está superado por la emoción. Hoy en día lo llamamos mala dirección porque es claramente una señal aceptada de emoción, no un reflejo real de la emoción que debe mostrar como actor. A la 1:56, se vuelve de nuevo a la mesa auxiliar y de inmediato vuelve a girar. Él está superado por la emoción, todos ustedes! (¿Notaste la señal de desesperación? Regresaremos a esa también) Luego, lo remata con la repetición de la frase divertida sobre los tomates. Note la dirección de su mirada.
Pero ¿por qué hicieron estas cosas? Venían de la actuación teatral. Así como la televisión en los primeros años fue una exploración para tomar señales comúnmente aceptadas de reproducciones de radio y tratar de hacer que funcionen en un medio visual, la película fue una exploración de lo que funcionó desde el escenario. En el escenario, se requieren grandes movimientos corporales para transmitir la acción que los asientos traseros no pueden ver en las caras del actor. Y como tuvieron que suceder muchas cosas en poco tiempo, fueron un código para los miembros de la audiencia que aceptaron fácilmente. Lo hizo más fácil.
¿Recuerdas que dije que hablaríamos sobre la dirección de mirar? A la izquierda significa recordar. A la izquierda y arriba está la esperanza, la aspiración, el futuro. Mirar hacia abajo es comprensión, incluso cuando es incómodo. ¿Captaste la señal de desesperación? Es el puño tembloroso en su pecho. En las primeras obras de teatro, cuando un actor se aferró al pecho izquierdo y miró hacia la derecha, eso significaba estar desconsolado y desolado. Había literalmente un estilo de actuación aceptado para transmitir todas estas emociones complejas. Y los actores tenían que aprenderlos. Busca la entrevista con Eli Wallach y habla sobre lo que el Actor’s Studio estaba tratando de enseñar a los futuros actores que era diferente de las escuelas de actuación anteriores. (No puedo encontrarlo o te lo daría, pero es tan bueno que recuerdo casi todo)
Ahora mire, cuando se encuentre con la chica, lo amará y lo amará por lo que es.
No te aburriré más con los detalles, pero esta escena muestra las formas más sutiles que emplean las actrices (espera a que ella hable sobre sus estudiantes y observa sus ojos y su dirección cuando él se abre y las dos miran hacia abajo). Pero esta escena también muestra por qué esta película fue considerada tan buena en su momento. Cuando EB habla de pensar en el suicidio al principio, no está preocupado, no se siente superado por la emoción. Él no se lamenta de lo injusta que es la vida. Simplemente afirma tan claramente como él mismo es lo que pensaba y cuál era el problema con eso. Esto fue realmente innovador porque rompió todas esas reglas . EB merece cada onza de oro falso en esa estatua para esta película. Estaba siendo provocativo y tan honesto como podría ser y aún así atraer a la audiencia. Fantástico.
Luego viene Cinema Verite. Ahora, muchas personas te dirán que fue solo un movimiento dentro del cine documental, pero eso es algo académico. Fue un intento de contar una historia más veraz al mejorar ciertos aspectos sobre otros mediante el enfoque de la cámara (es decir, en qué se enfoca, no si es borroso o no), la dirección del escenario, el color y la luz. Si decimos que una película está basada o inspirada en eventos reales, ¿es un documental o una película? Es claramente una película. Pero esa no era realmente una distinción hecha en este momento en el cine. La distinción era si las personas en la película eran actores reales o no. Esta es realmente la única crítica del movimiento. No esbozó claramente para la audiencia cuánto era real y en lo que se podía confiar. El verdadero documental documental como el que tenemos hoy salió de esa crítica y estableció un cierto conjunto de reglas periodísticas para los documentales. Pero su influencia y su impacto en la cinematografía cinematográfica (es decir, artística) no puede ser exagerada.
CV dio lugar al movimiento que a veces se llama New Hollywood o la New Wave estadounidense. Películas como Bonnie y Clyde, Midnight Cowboy, The Graduate e innumerables más de las que reconocerías los títulos de este período son parte de esta nueva forma de hacer películas. No solo en la técnica sino también en el proceso de producción. Los jóvenes aficionados a la contracultura de la cadera comenzaron a hacer películas que reflejaban personas reales de una manera sorprendentemente tierna y emocionalmente cruda. Midnight Cowboy es una historia de amor si puedes creerlo, pero una que se abre camino a través de personas que nunca habrías visto en películas solo diez años antes. ¿Te imaginas ver a Ernest Borgnine parado en las vías del metro, sombrero en mano, sudor en la frente, el sonido de los frenos del tren chillando en otra vía para que sepas cómo sonará cuando lo vean saltar frente al tren, su pulso se acelera y, al final, la cámara tira de su espalda al plano más amplio de la estación para que sepamos que nadie más en la plataforma conoce el terror y el conflicto en su mente. Eso nunca iba a suceder en esa película. Eso es demasiada emoción por el momento.
Cinema Verite fue un intento de usar la licencia dramática para contar una verdad más amplia. Falló en documentales de maneras espectaculares, pero al fracasar, nos enseñó cómo deberían ser los documentales y cómo expandir nuestra conciencia cinematográfica para experimentar emociones más variadas y en ocasiones conflictivas. Pero también les enseñó a los espectadores que a veces las películas dramáticas pueden sentirse más reales que nuestras propias vidas precisamente porque pueden despojar de todo el ruido que a menudo nos confunde y nos permite mirar profundamente al personaje y vernos a nosotros mismos en él.
New Wave francés, New Wave estadounidense, post-construccionismo, Neocinema, Dogma, todos estos movimientos (¡y más!) Deben su kit y su kaboodle al movimiento Cinema Verite. Es por eso que las películas antiguas nos parecen realmente falsas y más difíciles de relacionar con las personas. Ya no reflejan quiénes somos y no reflejan lo que entendemos sobre las películas y la actuación. Nos confunden y nos dejan sin las señales emocionales que hemos llegado a confiar en películas como Taxi Driver, Newsroom, Dog Day Afternoon, Mean Streets, e innumerables más que podemos mencionar y traer de vuelta una oleada de emociones y nihilismo (notando un director particular aquí?)
Cinema verite salvó el cine artístico, pero casi destruye el cine documental y esa es realmente la única crítica con la que estoy de acuerdo. En última instancia, fue la progresión evolutiva natural desde el absurdo controlado y con muchas secuencias de comandos de la era de los estudios hasta el hecho de que realmente disfrutamos del cine (en buenas películas, eso es).