Los seres humanos aman el cierre, sintiendo la necesidad de que todo el mundo tenga sentido u ofrezca resolución. Contar historias es una de las maneras en que transmitimos información y creamos catarsis, aprender de los éxitos y fracasos de otros y las películas son la forma más magra y más mala de contar historias.
Hay menos espacio para el experimentalismo en Hollywood, ya que las películas confusas significan una ganancia de taquilla más pequeña, pero los autores del cine siempre han encontrado formas de hacer que las películas ambiguas signifiquen algo más que la suma de sus partes.
Una película ambigua puede ser una que termina con un misterio, desafiando la necesidad racional de respuestas, o puede ser una que presenta una historia con múltiples interpretaciones. La ambigüedad es difícil de lograr, pero cuando funciona, puede triunfar como un testimonio del poder de la emoción y penetrar más allá de algunos de los límites con los que viene la razón pura.
Estas películas que trascienden las definiciones de la narración tradicional tienden a quedarse con los espectadores mucho después de abandonar el teatro, y aunque a veces provocan controversia, son más que dignas de ver.
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20. conducir
La película artística de Nicholas Winding Refn enmascarada como un thriller de acción que presenta un diálogo mínimo y termina con una toma excepcionalmente larga de Ryan Gosling sentado en su auto, inmóvil. Drive realmente no nos dice qué pasa con sus personajes. Claro, la conductora e Irene (Carey Mulligan) tienen un dulce romance, pero ella seguirá adelante y probablemente no estará muy feliz de ver al hombre responsable de la muerte de su marido, aunque sea de manera indirecta, volver a aparecer en su puerta.
Sin embargo, es esa posibilidad muy remota de Gosling lo que realmente une la película al mismo tiempo que lo descompone, y no sabemos si Driver sobrevivió a su enfrentamiento final o no, cobra vida nuevamente y se aleja, pero está gravemente herido, y cualquier resolución que pensáramos que ofrecería la película, especialmente en el departamento de romance, se desvanece con el atardecer.
19. La cosa
Las películas de terror son el lugar perfecto para que los cineastas exploren el miedo a lo desconocido, pero rara vez se aventuran más allá del tiempo de ejecución de la película, así como The Thing de John Carpenter. Aprovechar el miedo del público a enemigos invisibles, una metáfora inteligente de la enfermedad y la enfermedad o incluso las diferencias perjudiciales, The Thing sigue siendo una de las películas de terror que más afectan a los 80. Tampoco duele que contenga algunos de los mejores efectos de maquillaje y prácticos.
Lo que hace que The Thing sea realmente genial es que no ofrece ninguna respuesta. Tal vez la cosa está muerta y tal vez no esté al final de la película. El MacReady de Kurt Russell podría ser un narrador poco confiable, ya que solo hasta cierto punto puede probar que es humano.
El supuesto es que la cosa ha sobrevivido, ya sea en uno de los cuerpos de los sobrevivientes o congelada bajo la nieve, esperando que otro equipo de rescate lo despierte al igual que los noruegos al principio, o al igual que el elenco de esta película proporcionó un nuevo Serie de anfitriones después de que los noruegos no pudieron contener la amenaza.
Que la incertidumbre se extienda más allá del final de la película, una película menor hubiera tenido un final definitivo, hace de The Thing un clásico miedo desconocido.
18. Flores rotas
Hablar sobre la trama en una película de Jim Jarmusch es como hablar sobre la vida en un cementerio: no es que no esté ahí, es que no se parece a lo que esperamos. Broken Flowers sigue a Don Johnston (otra actuación tenue de Bill Murray) mientras revisa a sus antiguos amantes después de enterarse de que tiene un hijo de uno de ellos. Desafortunadamente para Don, no encuentra ninguna respuesta, lo que hace que la película parezca algo impenetrable. En la última escena, Don ve a un niño pasar junto a él en un automóvil y, por un momento, una mirada de reconocimiento parpadea en su rostro.
Jarmusch eligió al hijo real de Murray como el niño, haciendo una declaración aparentemente clara: sí, Don tiene un hijo. Sin embargo, la película no ofrece ninguna conclusión a esta sospecha. Don nunca se encuentra con el niño y, después de vislumbrarlo, no lo vuelve a ver. El final hace surgir la pregunta de si alguna de las historias que Don escuchó de sus amantes anteriores fue correcta o si fueron solo recuentos de memoria, defectuosos y modificados por los años, al igual que Don se ha convertido.
17. Martha Marcy May Marlene
Las películas que difuminan las líneas entre la realidad y la ficción son a menudo objeto de mucho debate, pero rara vez se aventuran en el territorio de la memoria frente al sueño. Martha Marcy May Marlene sigue a una joven, Martha (Elizabeth Olsen) que, después de unirse a una hermosa en la superficie pero siniestra debajo del culto, busca refugio con su hermana.
Luchando con el trastorno de estrés postraumático y teniendo dificultades para reconciliar sus comportamientos entrenados con las normas sociales del mundo real, Martha trata de contar sus historias a su hermana, pero se encuentra dividida entre los dos mundos.
A medida que Martha se vuelve cada vez más desquiciada, la preocupación de su hermana y su cuñado de que puede estar mintiendo o mentalmente está amenazando su seguridad en el refugio que ha tomado, mientras que la paranoia de Martha de que los miembros del culto la están persiguiendo se convierte en una carga para el toda la familia. El verdadero estado mental de Martha nunca se revela a medida que la película transcurre entre el pasado y el presente, el sueño y la realidad, la memoria y la fantasía, creando una pesadilla para Martha y su cordura.
16. Synecdoche, Nueva York
El debut como director de Charlie Kaufman es una muñeca de anidación rusa de historias dentro de historias dentro de historias. Siguiendo a Caden Cotard, un dramaturgo que intenta crear su obra maestra, una obra sobre sí mismo, con un actor que lo interpreta, el escritor, un actor que interpreta a un actor que lo interpreta, el escritor, un actor que interpreta al actor que interpreta al actor … y Sin embargo, Synecdoche New York es el trabajo más ambicioso y desconcertante de Kaufman hasta el momento.
Como una rumia sobre la vida, la conciencia y la muerte, Kaufman crea capas y capas a medida que la vida de Caden se desmorona, lo que proporciona inspiración para su juego, que eventualmente se convierte en toda su vida.
Después de un tiempo, es difícil decir qué es parte de la obra y qué no lo es, hasta que Caden es devorado por su trabajo, que finalmente da su vida, y sus respiraciones finales en un esfuerzo por hacer que su obra maestra funcione, completamente obsesionado con encontrar Significado en los aspectos más sin sentido de la existencia. Si tiene éxito o falla, depende de la interpretación de la audiencia no solo de la película, sino de la vida misma.
15. El luchador
Darren Aronofsky capturó la remontada de Mickey Rourke de la mejor manera al interpretarlo en el papel de un luchador caído que intenta regresar a la fama. Randy “The Ram” Robinson da todo lo que tiene para recuperar su vida, pero apenas puede evitar que se desmorone.
Después de sufrir un ataque al corazón pero insistiendo en pasar, Randy finalmente consigue su gran partido de regreso, pero su salud no se mantiene. Derrota a su oponente (por supuesto, el movimiento se acordó de antemano) y se prepara para su movimiento característico, un cabezazo de buceo llamado “Ram Jam”, que se balancea sobre la cuerda superior, antes de zambullirse. La película se corta bruscamente a negro antes de ver qué pasa.
Un ejemplo perfecto del poder de una edición, Aronofsky mantiene la pantalla en negro durante un período prolongado de tiempo antes de que salgan los créditos, dejando el destino de Randy completamente desconocido.
14. La conexión francesa
El thriller de policías y ladrones de William Friedkin se apresura a una velocidad vertiginosa en un camino aparentemente claro mientras Popeye persigue a su objetivo hasta las profundidades de su obsesión por hacer que su hombre lo retuerza contra él. Famosa por su extensa secuencia de persecución de autos, el final enfrenta a las audiencias con su sombría revelación de la oscuridad en el alma de Popeye.
Arrojando la ética policial por la ventana, Popeye le dispara fríamente a la persona equivocada antes de apresurarse a otra habitación, persiguiendo lo que está absolutamente seguro de que es su villano. La cámara no lo sigue, más bien suena un solo disparo y no se encuentra ni a Popeye ni a su enemigo.
Sin este final, The French Connection sería un thriller estelar, pero se eleva más allá del estándar al conectar el tema arenoso de la obsesión con el personaje de Popeye de una manera verdaderamente integrada, creando una conclusión controvertida que exige respuestas pero no proporciona ninguna.
13. JFK
Oliver Stone era el ajuste perfecto para una película sobre las teorías de conspiración que rodearon el asesinato de John F. Kennedy. Su sensibilidad por la cultura pop y el malabarismo de ideas en conflicto se enraizaron en la respuesta política y pública al infame asesinato del presidente de Estados Unidos y no mostraron una recuento exacto de los acontecimientos, sino una imagen precisa del estado de ánimo cultural en respuesta a los acontecimientos reales. .
El fiscal de distrito de Nueva Orleans, Jim Garrison, aborda el caso, decidido a no hacer nada para encontrar respuestas en medio del caos, pero en lugar de eso se encuentra con callejones sin salida. Siendo cada vez más sospechosos de todos los que lo rodean a medida que lo hacen, JFK juega rápido y suelto con precisión histórica y se centra en la paranoia y la desconfianza en el momento posterior al asesinato.
Stone se deleita con la ambigüedad de su historia, y decide llevar a sus personajes al límite de su cordura, ya que el caso consume la vida profesional y personal de Garrison, y reflexiona sobre Estados Unidos, reflejando la confusión de la época.
12. la duda
La duda es una emoción poderosa, y la duda también es una película poderosa. Basada en la obra de John Patrick Shanley sobre una monja que sospecha que el sacerdote con el que trabaja ha cometido un crimen contra un niño y planea destruirlo a menos que confiese su crimen, Doubt explora la tendencia de las personas a aferrarse a sus propias convicciones a pesar de las pruebas en contrario. oa pesar de no haber evidencia de confirmación.
Meryl Streep interpreta a la hermana Aloysius, enfrentando al padre Flynn de Phillip Seymour Hoffman en una batalla de ingenio mientras ejercen la reputación, la fe y la evidencia circunstancial entre sí.
La hermana Aloysius gana la batalla al final, cuando el padre Flynn se muda a otro lugar, pero pierde su sentido de seguridad, al darse cuenta de cuánto daño hizo al actuar con menos de ciertos sentimientos. El poder de la duda está en pantalla completa, advirtiendo contra acciones imprudentes basadas en poco más que un pensamiento molesto en el fondo de la mente.
11. Perdido en la traducción
El examen de Sofía Coppola de las relaciones humanas en medio de mundos extraños y encuentros casuales parece una película bastante simple, con una actuación profundamente profunda de Bill Murray como Bob Harris y una relación delicada que entabla con la Charlotte de Scarlett Johansson, pero la escena final Mantiene un mensaje secreto entre los dos.
Improvisados por Murray durante su escena de despedida y no revelados al público, aunque puedes encontrar videos en YouTube por diseñadores de sonido que intentan descubrir el secreto, las líneas finales son un susurro de Bob lleno de significado que solo los personajes deben saber.
Si bien no es exactamente un misterio que cambia el juego, la relación de Bob y Charlotte parece haber concluido con su viaje, pero el misterioso susurro entre ellos abre la posibilidad de que continúe después de los créditos. Sea lo que sea lo que dijo, la reacción de Charlotte está cargada de emociones cuando se despiden entre sí a medida que pasan por su camino, cambiadas para siempre por su breve encuentro.
10. No es país para viejos
Joel y Ethan Coen podrían haberse conformado con un thriller de gato y ratón muy por encima de la media con su película ganadora de Mejor Película, No Country For Old Men, pero los hermanos tenían otra cosa en mente. Abandonando completamente la narrativa tradicional en favor de una rumia filosófica sobre la naturaleza de la masculinidad, la justicia y la naturaleza de la violencia, los Coen matan a su protagonista, dejan a su antagonista sin castigo por sus crímenes, y terminan con un recuento de sueños que ofrece poco en forma de resolución.
Temáticamente, el final permite a los cineastas desarrollarse filosóficamente y evitar los límites de la estructura tradicional, pero la escena final molestó a muchos espectadores que esperaban que se saciaran sus preconcebidas nociones de justicia cinematográfica. A medida que los personajes se convierten en personificaciones legendarias de ideas, las audiencias quedan para hacer lo que quieran del significado último de la película, escalando No Country For Old Men al mundo del cine atemporal.
9. El graduado
Mike Nichols golpeó al zeitgeist cultural con su generación de películas sobre la angustia de posgrado y los primeros años de la edad adulta. La relación de Benjamin Braddock con la Sra. Robinson sigue siendo una de las relaciones más atractivas del cine, ya que está llena de problemas. Sin embargo, son los intentos románticos de Benjamin de cortejar a la hija de la Sra. Robinson, Elaine, la que ofrece la pieza central para el drama de Nichols.
Madurada por la confusión sexual y el romance cuestionable, como la acusación de Elaine de que Benjamin violó a su madre y el escandaloso conflicto madre / hija / novio, The Graduate termina en una de las tomas más fascinantes de la película. Mientras Benjamin y Elaine se fugan en un autobús, huyendo del matrimonio planeado de Elaine, se sonríen, pero pronto sus sonrisas se desvanecen y miran hacia otro lado, mirando hacia la distancia.
¿Están felices o tristes? Las revisiones de esta película no proporcionan más que interpretaciones evasivas y no conducen a una postura definitiva. El graduado tiene mucho que decir acerca de nuestras relaciones con los demás en la veintena, y acerca de nuestras relaciones con nosotros mismos, y todavía es un buen debate casi 60 años después.
8. Inicio
Christopher Nolan probablemente se llevaría muy bien con el filósofo francés René Descartes, ya que Inception explora la posibilidad de que toda nuestra existencia sea una mera ilusión. No es de extrañar que esta película sobre los sueños dentro de los sueños termine con un signo de interrogación gigante, dividiendo a las audiencias sobre si Cobb está soñando al final o no.
Narrativamente, la respuesta a esta pregunta no es fundamental para el arco del personaje de Cobb; lo que importa es que ya no está obsesionado con saber, y desde una perspectiva estructuralista, la película logra todo lo que necesita, pero a Nolan no le gustan los finales simples y lo haría. Más bien déjanos con un toque.
La peonza permite que las visualizaciones repetidas ofrezcan múltiples teorías de fanáticos que buscan pistas en los detalles con los que Nolan llena su película. No vemos exactamente la caída superior, pero la vemos tambalearse un poco, sugiriendo que no está soñando. Por otro lado, hay ciertas cosas que sabemos al principio de la película, a saber, que la parte superior podría no pertenecerle en absoluto, que sugieren que nunca se despertó al final, o tal vez ha estado soñando todo el tiempo.
7. Barton Fink
Barton Fink trata sobre el bloqueo del escritor de la mejor manera que una película puede ser sobre el proceso de escritura. Barton Fink es un escritor que se muda a Hollywood para escribir una película de boxeo, una gran producción de estudio diseñada para hacer una suma global de dinero, pero preferiría describirse como escritor para el hombre común. Alojándose en uno de los hoteles más delirantemente macabros capturados en el celuloide contiguo a un vendedor aterrador que lo relega con historias de sus viajes y consejos de escritura no solicitados, Barton Fink no puede escribir nada.
La película toma un giro perturbador de los acontecimientos con un asesinato, una investigación policial y una misteriosa caja que le regala el vecino de Barton. Antes de que Se7en nos diera la frase de Brad Pitt, “¿qué hay en la caja?” Barton Fink hizo esa pregunta pero nunca nos dio una respuesta.
Barton nunca abre la caja, pero la lleva consigo hasta el final de la película. En la escena final, una mujer le pregunta qué contiene la caja. Simplemente responde que no sabe. Funciona como una metáfora de los misterios de la vida, o como una metáfora para escribir, o simplemente como un misterio sin respuesta en la película cuyo propósito es no hacer más que despertar nuestra curiosidad.
6. El brillo
Stanley Kubrick fue un maestro en lograr que su audiencia sintiera exactamente lo que él quería que hicieran, al tiempo que les permitía pensar que habían traído sus propias interpretaciones a su trabajo. Toda su filmografía está llena de significados alternativos e innumerables análisis han sido realizados por críticos y fanáticos por igual, tratando de analizar exactamente lo que significaron sus películas, pero The Shining es uno de los más desconcertantes.
Desafiando cualquier respuesta fácil, The Shining todavía asusta hoy en día debido a su falta de definición clara. Una metáfora del alcoholismo, la disfunción familiar y la violencia, el descenso a la locura de Jack Torrence llega a un final confuso famoso con una vieja fotografía del Hotel Overlook que contiene a Jack en la vanguardia y revela que el hotel es … nadie está muy seguro.
¿Es Jack un fantasma o toda la película es un truco elaborado? Los fotogramas finales abren una lata de gusanos que restablece cualquier noción que tengamos sobre lo que significó la película y nos asusta hasta la médula con su evasividad.
5. Los 400 golpes.
Francois Truffaut casi sin ayuda marcó el comienzo de la New Wave francesa con su película debut, comenzando una era de películas que rompió las barreras de lo que el público creía que se trataba de películas. The 400 Blows sigue siendo su personaje más personal, basado en su propia vida, lo que lo hace tan impenetrable como fascinante. Antoine, nuestro joven protagonista, sufre a través de una vida de delincuencia juvenil antes de escapar de sus problemas en una de las tomas largas más famosas del cine.
Mientras Antoine corre a lo largo de la playa hacia el océano, se gira y mira directamente a la cámara y luego el marco se congela en su rostro antes de desvanecerse a negro. Es un uso perfecto de una mirada y una técnica de edición para resaltar el sombrío existencialismo que Truffaut está explorando en su relato de su juventud, ya que no ofrece una verdadera catarsis a la historia.
¿Es The 400 Blows un final feliz o triste? ¿Representa la congelación la libertad o el encarcelamiento? ¿Vida o muerte? Truffaut comentó una vez que el fotograma congelado fue un accidente, que Jean-Pierre Léaud simplemente no miró a la cámara durante el tiempo suficiente, pero que el estancamiento del fotograma congelado ofrece conclusiones radicalmente diferentes para que la audiencia pueda hacerlas si no pueden. encontrar cierre
4. Blade Runner
En el futuro, los replicantes son androides de bioingeniería y Rick Deckard es un Blade Runner, un oficial de policía encargado de “retirarse” los replicantes deshonestos que han ido en contra de sus programadores humanos.
Un nuevo modelo de replicantes que están programados con recuerdos para eliminar su autoconciencia de su falta de humanidad son casi capaces de pasar la prueba de Voight-Kampff, una prueba diseñada para probar rasgos humanos como la empatía, lo que complica aún más la tarea de Deckard. pero cuando se enamora de un replicante que realmente cree que ella es humana, debe preguntarse dónde está su propia humanidad.
Utilizando una de las preguntas más atractivas de la ciencia ficción sobre las cualidades que nos hacen humanos, Blade Runner presenta un simbolismo elegante y metáforas que cuestionan si Deckard es un replicante. El final, que presenta un icónico unicornio de origami, ofrece múltiples interpretaciones, inspirando teorías de fanáticos y consolidando a Blade Runner como un trabajo atemporal de ciencia ficción.
3. La Dolce Vita
La obra maestra del cine italiano de Federico Fellini es ciertamente difícil de digerir a veces, pero sigue siendo una historia fascinante. Después de que un periodista se convirtiera en periodista periodista a través de lo que algunos han interpretado como siete noches inspiradas por los siete pecados mortales, la película examina el aburrimiento implacable de Marcello con el entretenimiento y la vida de la clase alta.
Después de secuencias prolongadas, a veces confusas pero nunca aburridas, que incluyen una ceremonia religiosa extraña, una sesión en una mansión espeluznante y una serie de libertinajes sexuales, la película termina en una playa donde los pescadores tiran de una manta raya. Marcello ve a una mujer que había conocido antes pero no la reconoce, o no le importa que la note, y luego se aleja a medida que la película desaparece.
Ya sea una serie de eventos al azar o una alegoría temática del infierno, o algo completamente diferente, La Dolce Vita es una película perfecta para los fanáticos del cine italiano.
2. Rashomon
La historia ganadora del Premio de la Academia de Akira Kurosawa sobre los distintos testimonios de un solo crimen abre la puerta a las audiencias para elegir a quién creen y a quién no. Cada espectador puede tener una idea diferente de quién está diciendo la verdad, o si alguno de ellos lo está, porque la película nunca nos muestra lo que realmente sucedió, solo las diferentes narraciones.
El “efecto Rashomon” es una técnica que se emplea a menudo en las películas contemporáneas en las que finalmente se hacen a un lado los relatos en conflicto para revelar la verdad, pero Rashomon no lo hace, y proporciona información sobre el testimonio poco confiable y la falibilidad de la memoria.
Ahora considerada como una de las películas más famosas que se han hecho, Rashomon combina con maestría cada visita a la misma historia al proporcionar detalles que parecen cambiar la verdad, pero que solo resultan ser otra pista falsa en el difícil camino para discernir la realidad.
1. 2001: una odisea del espacio
Maduro con metáforas, alusiones y simbolismo, Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke’s 2001: A Space Odyssey es una de las películas más desconcertantes que se hayan hecho. Desde el misterio del monolito hasta lo asombroso de la vista y el cerebro espacialmente desafiante, Kubrick ayuda a un espejo a su audiencia, reflejando lo que estaban dispuestos a traer a la película y volviendo los ojos de la humanidad a sí mismos.
Las múltiples presentaciones no ofrecen mayor claridad ya que la película desafía la definición y parece significar algo diferente cada vez, pero el poder de la épica cinematográfica del espacio de Kubrick no se ha desvanecido con la edad. Continúa atrayendo a nuevas generaciones de espectadores de películas hasta el día de hoy, suplicando, pero refutando innumerables análisis, conspiraciones e interpretaciones.
2001: Una odisea del espacio trasciende el medio del cine para convertirse no solo en una de las mejores películas que se hayan hecho, sino en una de las obras de arte más importantes creadas por los seres humanos. Probablemente nadie lo entenderá realmente, pero la película se sostiene en sus propios términos y sigue siendo alta, un gigante monolítico de ambigüedad y fascinación.
-tasteofcinema