¿Puedes nombrar directores que eviten la cobertura de tiros o los disparos principales?

Answer 1

No debe pensar en la cobertura como “imágenes adicionales”. De hecho, una escena bien cubierta hará un uso muy eficiente de las imágenes para que la escena se pueda unir fácilmente en la edición y al mismo tiempo le brinde la flexibilidad de usar lo mejor. partes de cada toma. La idea no es disparar ángulos de cámara adicionales “en caso de que” los necesites, sino disparar solo lo que se requiere para “cubrir” la escena, ni más ni menos. Lo que hacen los mejores directores es saber cubrir bien una escena.

Ahora he estado en escenarios donde un director no tenía mucha experiencia y el estudio incluso le dijo que filmara muchas imágenes. “Cubre todo”. Esto es lo que podría hacer un director sin experiencia. Al no estar seguro de cómo quiere cortar una escena en un post, podría “cubrirse”, sin querer estar sin algo en la edición. Es muy común, y no es realmente la mejor manera de hacer una película.

A menudo, lo malo es filmar una escena, de modo que estás completamente encerrado en cómo se organiza. ¿Qué pasa si piensas que tu foto artística del personaje principal enmarcado por esa inusual lámpara de mesa es el camino a seguir? Lo amas tanto que estás filmando toda su toma de esa manera. Luego, durante la vista previa, las audiencias se ríen, pero es todo lo que tienes.

Por lo general, pensamos que cubrir una escena es un proceso que consiste en disparar primero a un maestro y luego ir a la cobertura, pero esta no es siempre la forma más precisa de pensar en ello. Algunas escenas no necesitan un maestro, otras sí, algunos maestros pueden ser una pérdida de tiempo, algunas escenas se reproducen a la perfección en una simple toma dos, sin necesidad de cobertura.

Ahí es donde entra en escena el arte del director, como narrador. Pero hay algunas cosas que se deben tener en cuenta:

Una foto maestra es a menudo mal entendida e incluso definida incorrectamente en muchos sitios web. No tiene, por ejemplo, que incluir a todos en el cuadro. Una foto maestra de la cena de acción de gracias podría comenzar con el pavo cuando el chef sale de la cocina, lo coloca sobre la mesa y luego nos retiramos para revelar algunos, no todos, de los invitados a la cena.

Idealmente, lo que quieres que haga un master shot es que esté tan bien concebido que toda la escena, si es necesario, se pueda reproducir solo desde el master. Pero si sabes que vas a estar buscando cobertura (personas solteras en la mesa), no hay razón para dispararle al maestro una y otra vez, tratando de hacerlo perfecto. El comienzo perfecto de una toma y el final perfecto de otra se pueden usar si está cortando otras tomas intermedias.

Un maestro también puede ser útil para las actuaciones, porque todos, incluido el director, pueden tener una idea de cómo se está reproduciendo la escena; el ritmo, cuáles son las áreas problemáticas, etc. Piense en nuestra escena de acción de gracias como si realmente se tratara de una persona. Pueden retrasar su rendimiento para cuando realmente lo desee: el primer plano. No hay razón para perder lágrimas en un maestro.

Pero a menudo lo que sucede en una toma temprana es magia inesperada. ¿Qué pasa si todos los que interpretan la escena por primera o segunda vez simplemente la clavan? ¿Qué pasa si la “vida real” realmente sucede? Si tienes un maestro lo tienes! Ahora puede moverse para obtener las tomas adicionales necesarias para comunicar los matices dramáticos de la escena, sabiendo que tiene algo que funciona “en la lata”.

Answer 2

Woody Allen es relativamente famoso por disparar rápidamente y luego hacer un montaje. Si fuera necesario, programaría un poco más de producción para terminar una película.

La producción súper eficiente en extensiones de set, como “Sin City”, pone a los estudios en alerta. Robert Rodriguez fue el principal culpable de esto.

Sin embargo, con la producción digital, la cobertura de filmación ya no tiene el costo pragmático de la era del cine. Solo un poco más de espacio en el disco duro. La unidad de giro arcaica pronto será reemplazada por medios de almacenamiento mucho más grandes con una naturaleza de archivo mucho mejor. Por un lado, no puedo esperar.

Answer 3

La primera vez que hice una película que fue pagada por una compañía cinematográfica, insistieron en que yo filmara mucha cobertura. Su objetivo era hacer posible que me quitaran la película durante la edición y cortar partes del diálogo que no les gustaba, por lo que querían una cobertura para asegurarse de que podían hacerlo. Como resultado, filmé solo algunas escenas descubiertas, en las que no quería que pudieran cortar el diálogo. No me quitaron la película, así que la pregunta es: ¿me ayudó toda esa cobertura en la edición? La respuesta es sí, hasta cierto punto. Tenía muchas imágenes que usar para armar un ritmo para cada escena que mantenía el ritmo de la película en general. No haría eso ahora, ni necesito hacerlo, pero probablemente me ayudó con mi primera función.

El guión gráfico al que se refieren otras respuestas es solo una parte del problema. Incluso si planeas una escena muy bien, es una buena idea dejar espacio para las cosas maravillosas que suceden entre los actores. Esto puede hacer que reconsidere las posiciones de la cámara para que pueda organizar los caracteres en el marco para apoyar lo que está sucediendo entre ellos.

Al pasar de tomas amplias o maestras a primeros planos, intercambia información, pero obtiene impacto. Su sentido de la historia le dirá lo que más necesita en este momento: ¿necesita ver que sus ojos se abren un poco o necesita saber qué tan cerca está de la cortadora de césped? Generalmente, cuando las circunstancias son lo más importante, no hay necesidad de cobertura

Una experiencia personal de mi característica más reciente: la película termina con dos posibles amantes mirándose el uno al otro y tratando de conectarse. Había planeado una gran cantidad de cobertura y cortes para poder contar la historia de reunir gradualmente a estos dos personajes hasta que pudiera hacer que compartieran un marco ajustado, mirándose unos a otros. Cuando lo ensayamos, me di cuenta de que serían capaces de hacer todo el mismo en una sola toma. E incluso pude bloquear la cámara mientras lo hacían. Así que eso es lo que hicimos, lo clavaron y yo nunca disparé las otras cosas. Nunca me arrepentí, pero el otro día volví a mirar las prisas, y ese maravilloso final es la toma 12. Así que lo lograron. pero solo porque seguí trabajando con ellos para llegar allí, porque mi objetivo ahora era hacer el clímax de la película de una sola vez. Es una escena de 90 segundos, así que filmamos 18 minutos de material durante toda una tarde. Así que no fue más rápido que si lo hubiéramos filmado como lo había planeado. Simplemente mucho mejor.

Answer 4

Alfred Hitchcock era famoso por sus historias en el abordaje de sus películas con gran detalle, de modo que sabía exactamente qué quería de la cámara, la iluminación y dónde quería que se pusieran de pie sus actores. Debido a esto, nunca realizó disparos principales y su cobertura fue muy limitada. Él y David O. Selznick tuvieron muchos desacuerdos y Selznick llamó al estilo de Hitchcock de dirigir un “rompecabezas” gigante. Hubo límites en cuanto a cómo se podría editar la película juntos. Cuando tenga la oportunidad de ver sus películas y verá que No realiza tomas maestras tradicionales y de esta manera crea un estilo visual muy específico.

Answer 5

Los hermanos Coen disparan solo lo que requiere el guión gráfico y nada más.

En general, el deseo de disparar un disparo maestro se debe a un deseo de aumentar las opciones en el poste. Una película con guión gráfico no necesita ese margen de seguridad siempre y cuando su continuidad sea impermeable.

muchos directores no hacen un guión gráfico exhaustivo, y con el advenimiento del video digital, los índices de filmación más altos son generalmente más baratos que programar las recolecciones.