Aquí están las 20 mejores confrontaciones verbales individuales de la historia del cine grabado.
20. Mi cena con Andre
Esta película consiste en una única escena de diálogo, extendida durante más de dos horas, en la que el protagonista se reúne con un viejo amigo llamado Andre, que ha participado en una serie de actividades interesantes en busca de un significado real en su vida.
Wally escucha tranquilamente mientras su amigo describe con entusiasmo lo que ha estado haciendo todo este tiempo: siendo enterrado vivo, haciendo una obra rara sin audiencia en un bosque, adoptando a un monje budista durante unas semanas, uniéndose a un grupo de personas que intentaban Alcanzar una especie de estado extrahumano iluminado. Andre parece estar en la cultura de la nueva era, y él y Wally son muy diferentes.
Verlos hablar durante casi dos horas sin parar es bastante interesante. El protagonista no está de acuerdo con el extremismo de Andre acerca de cómo el mundo moderno no tiene sentido, pero sí aprecia las comodidades que ofrece la tecnología, mientras que Andre prefiere un estado de ser más animal y natural y critica salvajemente los vicios y problemas de nuestra civilización contemporánea.
Sus disertaciones filosóficas muestran algunos de los problemas flagrantes que debe enfrentar la sociedad occidental, como la alienación, la rutina, el autoengaño y la falta de empatía. Es un análisis que no debes perderte.
Las mejores líneas: Andre: “Nuestras mentes solo se centran en estos objetivos y planes, que en sí mismos no son realidad”. Wally: “Los objetivos y los planes no son … son fantasía. Son parte de una vida de ensueño “.
19. Manhattan
Todas las películas de Woody Allen son impulsadas por el diálogo. Sus guiones están influenciados por varios autores literarios, y la mayoría de sus textos podrían adaptarse fácilmente a una obra de teatro. También toma prestados a menudo de la época dorada de Hollywood y de obras maestras extranjeras clásicas, como “Casablanca”, “8½”, “Citizen Kane” y “The Seventh Seal”.
“Manhattan” es una mezcla de muchas de sus inspiraciones, incluida Nueva York, que puede considerarse la más grande. Allen interpreta a Isaac, un neoyorquino conversador que está saliendo con una Tracy de 17 años. No parece estar tomando la relación en serio, pero Tracy se ha enamorado de él.
A lo largo de toda la película, Isaac trata a Tracy como a una niña y es condescendiente hacia ella en un intento por socavar su mutuo afecto. Él prefiere a la pseudointelectual Mary, pero está claro que preferiría estar con Tracy si no fuera por su edad.
Al final, los intentos de Isaac de seducir a María se ven obstaculizados por su mejor amigo. Isaac corre hacia el edificio de Tracy, dándose cuenta de que siempre la había amado, mientras que la maravillosa banda sonora nos transporta a la historia antigua de Hollywood. La famosa “Rhapsody in Blue” de Gershwin lleva toda la película hasta el final.
Se está preparando para irse a Londres con una beca, y cuando él se da cuenta de que es demasiado tarde para convencerla, Tracy lo consuela diciendo que cuando regrese en seis meses, todavía lo amará. Isaac no está tan seguro de eso, pero está convencido cuando Tracy dice la famosa frase: “Tienes que tener un poco de fe en la gente”.
Esta escena muy bien ata la película en un bonito arco. Rodado en glorioso blanco y negro, y con increíbles actuaciones de ambos actores, es uno de los mejores diálogos en la historia del cine.
Las mejores líneas: Tracy: “Tienes que tener un poco de fe en la gente”.
18. El tercer hombre
Considerada como una de las mejores películas de suspenso clásicas de todos los tiempos, la trama inteligente de esta película estuvo décadas por delante de su época, inspirando a las futuras generaciones de cineastas con su impecable estética en blanco y negro y escenas memorables; A saber, el famoso diálogo sobre la noria.
Holly Martins llegó a la posguerra de la Segunda Guerra Mundial en Viena, luego de una invitación de su viejo amigo Harry Lime. Justo después de su llegada, a Holly se le informa que Harry fue atropellado por un camión y murió instantáneamente. Él asiste en el funeral y todos parecen pensar que Harry era un criminal. Holly comienza un proceso de investigación difícil para demostrar la inocencia de su mejor amigo.
Después de preguntar, el protagonista está convencido de que su amigo ya no es lo que solía ser. Todo apunta a que Harry es un estafador cruel que fingió su muerte, por lo que Holly le dice a uno de los asociados de Harry que estará alrededor de la rueda de la fortuna esperando que él aclare las cosas.
Harry, jugado por nada menos que Orson Welles, se une a Holly en el lugar de la reunión como si todo fuera normal. Holly comienza a hablar de todas las pruebas que ha encontrado contra él; Mientras tanto, la rueda de la fortuna ha comenzado a girar, y vemos que el paisaje se mueve detrás de Harry. Él no parece preocuparse por nada de esto y amenaza la vida de Holly si fuera a despedirlo. El diálogo en sí se vuelve muy poético, ya que el personaje de Welles está maravillosamente escrito, y lleva la conversación como un maestro de la manipulación, mientras que su amigo está perplejo ante su cambio de personalidad.
Este es un momento clave para la película, en la que Welles solidifica su increíble actuación y el misterio queda claro.
Mejores líneas: Harry Lime: “No seas tan sombrío. Después de todo, no es tan horrible. Como dice el hombre, en Italia durante 30 años bajo los Borgia tuvieron guerras, terror, asesinatos y derramamiento de sangre, pero produjeron a Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y el Renacimiento. En Suiza tenían un amor fraternal, tenían 500 años de democracia y paz, ¿y qué producía eso? El reloj de cuco. Hasta luego, Holly.
17. Goodfellas
En un intento de repetir el papel de “él mismo”, Joe Pesci interpreta a un psicópata llamado Tommy, que está tan loco como divertido, aunque el personaje de Pesci niega esos aspectos de su personalidad.
Martin Scorsese estructura maravillosamente esta escena de diálogo, utilizando dos configuraciones de cámara que nos permiten ver las reacciones de cada personaje.
Tommy le está contando una historia a un grupo de otros mafiosos en un restaurante, sobre cómo se negó a ser interrogado por la policía cuando se acercaron a él mientras descansaba en un parque. Todo el mundo se ríe debido a la divertida forma en que el actor cuenta la historia y Henry Hill (interpretado por Ray Liotta) le dice a Tommy instintivamente que es gracioso, ¿quién contesta “qué gracioso?” Henry no sabe cómo responder y comienza a murmurar. así que Tommy le pregunta de nuevo con un poco de ira en su voz, mientras el silencio se apodera de la mesa.
Muy pronto, Henry descubre que Tommy solo está jugando con él y todos comienzan a reírse de nuevo. Sin embargo, también vemos cuán lunático es Tommy, lo que nos hace preguntarnos si Henry está a salvo a su lado.
Esta escena se basa en una experiencia real que tuvo Joe Pesci cuando trabajaba en un restaurante. Le dijo a un mafioso que era divertido y que las cosas iban cuesta abajo desde allí, ya que el chico no se tomó el cumplido con tanto cariño. El director no agregó nada al calendario de filmación, solo él y Joe lo sabían, así que los otros actores improvisaron en torno a la gran actuación de Pesci, y sus reacciones son reales y no tienen precio.
Scorsese retrata la relación entre estos dos en un solo diálogo magistral que, además de divertido, establece todo el ritmo de la película, que es dinámico e inesperado.
Las mejores líneas: Tommy DeVito: “No, no, no lo sé, lo dijiste. ¿Cómo puedo saber? Dijiste que soy gracioso. ¿Cómo diablos soy gracioso, qué carajo es tan gracioso para mí? ¡Dime, dime qué es lo gracioso! “Henry Hill: [larga pausa]” ¡Vete de aquí, Tommy! “T: [todos ríen]” ¡Hijo de puta! Casi lo tuve, casi lo tuve. Ya tartamudeando el pinchazo ya. Frankie, estaba temblando? Me pregunto sobre ti a veces, Henry. Puedes doblarte bajo interrogatorio.
16. el hambre
Steve McQueen seleccionó al joven Magneto y Davos Seaworth para su primer largometraje. Me sorprendió cuando no encontré ninguna pelea de espadas o doblar / asesinar metal en el tiempo de ejecución de toda la película, aunque sí me encontré con una dulce escena de diálogo.
Michael Fassbender interpreta a Bobby Sands, un republicano irlandés que encabeza una huelga de hambre mientras está encarcelado. Tiene una conversación con el padre Dominic sobre su vida, religión y motivos, una conversación relajada mientras fuma y muestra una gran cantidad de química. La cámara es estática cuando ambos hombres se interrogan.
Ambos actores hacen un gran trabajo, ya que grabar una sola toma desde el mismo ángulo y con una cantidad extrema de líneas para recordar no podría haber sido una tarea fácil. Aunque solo vemos sus formas debido a la tenue iluminación de la mayor parte de la escena, los artistas pueden expresar todas las emociones y mantenernos interesados durante casi 30 minutos y con cortes mínimos.
Las mejores líneas: Padre Dominic Moran: “Quiero saber si su intención es simplemente suicidarse aquí”.
Bobby Sands: “¿Quieres que discuta sobre la moralidad de lo que voy a hacer y si es realmente un suicidio o no? Por un lado, lo llamas suicidio. Yo lo llamo asesinato. Y eso es sólo otra diferencia entre nosotros dos. Ambos somos hombres católicos, ambos republicanos. Pero mientras estabas cazando salmón en la hermosa Kilrea, estábamos siendo quemados de nuestra casa en Rathcoole. Similar en muchos aspectos, Dom, pero la vida y las experiencias enfocaron nuestras creencias de manera diferente. ¿Tu me entiendes?”
15. Casablanca
Mantener el récord invicto del mundo para “la mayoría de las veces que el título de la película se menciona en su tiempo de ejecución”, “Casablanca” es realmente el clásico de los clásicos. La gente no suele pensar que es la mejor película que se haya hecho nunca, pero dentro de su contexto histórico, “Casablanca” marcó el tono para las décadas de cine por venir.
El estadounidense Rick Blaine (Humphrey Bogart) y su apretón Ilsa Lund (Ingrid Bergman) se vieron obligados a huir de París justo cuando su relación se estaba consolidando, porque Hitler no podía pasar sin cometer todos los delitos imaginables, también tuvo que bloquear a Humphrey Bogart. Sin embargo, Ilsa de repente decide deshacerse de él con una carta, lo que equivale a enviar a Snapchat a un ser querido para que usted levante su dedo medio como una táctica de ruptura.
Se ven de nuevo, después de mucho tiempo, en el popular club nocturno de Rick. Posee algunas visas especiales que Ilsa y su esposo revolucionario necesitan para escapar de la persecución del Tercer Reich y huir a los Estados Unidos. Es reacio a renunciar a esos documentos, debido al gran daño que Ilsa le causó; El personaje de Bogart a menudo afirma que, después de lo que le sucedió, solo se preocupa por sí mismo.
Sin embargo, en la escena final, Rick hace un gran sacrificio por el bien mayor. Estaba planeando darle la visa al esposo de Ilsa, pero quedarse con su ex novia en Casablanca, porque ella afirmó que todavía lo amaba. En el momento de la verdad, les otorga ambos visados y se queda solo, con una de las líneas más memorables de la historia del cine.
Mejores líneas: Ilsa: “¿Y nosotros qué?”
Rick: “Siempre tendremos París. No teníamos, nosotros, lo perdimos hasta que viniste a Casablanca. Lo recuperamos anoche.
Yo: “Cuando dije que nunca te dejaría”.
R: “Y nunca lo harás. Pero también tengo un trabajo que hacer. A donde voy, no puedes seguir. Lo que tengo que hacer, no puedes ser parte de eso. Ilsa, no soy buena para ser noble, pero no se necesita mucho para ver que los problemas de tres personas pequeñas no equivalen a una colina de frijoles en este mundo loco. Algún día lo entenderás.
14. No es país para viejos
Un hombre entra por la puerta de la pequeña tienda adjunta a su gasolinera. Acaba de tomar su café de la mañana que lo preparó para enfrentar cualquier chanchullo que el día pueda lanzarle. Le preguntas a este hombre si la gente está lloviendo en el lugar de donde es; no quiere decir nada con eso, solo está tratando de entablar una conversación con un transeúnte inesperado, pero el extraño con el extraño corte de pelo es un poco paranoico.
No quieres ningún problema, pero la actitud de este individuo es extraña y hostil. Comienza a hacer algunas preguntas personales que parecen más amenazas encubiertas.
Todavía estás un poco desconcertado por toda la situación cuando lanza una moneda al aire y la detiene en el mostrador, cubriéndola con su mano. Él dice “llámalo” y su cara se contrae de una manera que no te gusta en absoluto. El caballero comienza a hablar sobre cómo esa moneda viajó 20 años para llegar a este momento, a este lanzamiento de moneda destinado. Ya no soportas más locura en tu establecimiento y finalmente llámalo: “Jefes, entonces”. Quita su mano, dejando que la cara de Washington esté a la vista: “Bien hecho”, dice, y le entrega el cuarto afirmando que no debe ponerlo en su bolsillo, porque es su cuarto de la suerte.
Es asombroso cómo este tipo piensa que se enfrenta a un loco que entró en su tienda, no tiene ni idea de que estaba a punto de morir y todo dependía de ese lanzamiento de moneda. El personaje de Javier Bardem parece pensar que es una especie de creador de justicia cósmica, y sus habilidades de intimidación son incomparables.
El desempeño de Bardem es lo que le da credibilidad a toda esta escena de diálogos aleatorios en medio del desierto. Realmente actúa como el psicópata más peligroso del mundo.
El ritmo de la escena es responsable de aumentar la tensión. Aunque es su tienda, vemos cómo el dueño se siente atrapado por las palabras del extraño, cómo está acorralado detrás del registro, ya que cada corte repentino (en esto, el tiro de revés de la firma de Coen) nos hace temer el siguiente.
Las mejores líneas: Propietario de una estación de servicio: “No he puesto nada”.
Anton Chigurh: “Sí, lo hiciste. Lo has estado poniendo toda tu vida, simplemente no lo sabías. ¿Sabes en qué fecha está esta moneda? “G:” No. “A:” 1958. Lleva veintidós años viajando para llegar hasta aquí. Y ahora está aquí. Y es ya sea cabezas o colas. Y tienes que decir. Llámalo.”
G: “Mira, necesito saber lo que puedo ganar”.
A: “Todo”.
13. La red social
Creo que solo hay dos formas de hacer una buena película basada en eventos de la vida real. La primera forma es no dar una sola puta parte de los hechos reales, y la segunda forma es retratar todo exactamente como sucedió. Cualquier película que se encuentre en medio de estos dos aspectos podría llamarse un desastre inseguro; “Argo”, “Joy” y “Capitán Phillips” son algunos ejemplos.
“The Social Network” sigue el primer camino, como se ve en su maravillosa escena de apertura, en la que Mark Zuckerberg y su novia Erica están teniendo una conversación acelerada en un bar del campus de Harvard.
Mark parece estar obsesionado con los clubes finales y el prestigio, mientras que Erica realmente no ve el punto de esos grupos. Se preocupa demasiado por su reputación y se le presenta como un hombre muy inseguro; Desde el principio, la motivación de Zuckerberg para crear Facebook es vengarse de su ahora ex novia después de esta escena, lo que, por supuesto, no es cierto para los eventos reales.
El diálogo está escrito con maestría por Aaron Sorkin, y el flujo de la conversación es natural ya que se confunden y, a veces, no entienden lo que el otro está diciendo. Ambos actores hacen un trabajo sobresaliente en mantener el estado de ánimo.
La edición sigue el ritmo de la conversación, mientras que la luz tenue comprime cada reacción en las caras de los actores. Todas estas herramientas cinematográficas se basan en la increíble canción “Ball and Biscuit” de The White Stripes, que hace que toda la escena sea memorable.
Las mejores líneas: Erica Albright: “Probablemente va a ser una persona muy exitosa en informática. Pero vas a ir por la vida pensando que a las chicas no les gustas porque eres un nerd. Y quiero que sepas, desde el fondo de mi corazón, que eso no será verdad. Será porque eres un gilipollas “.
12. La delgada línea roja
En esta película de guerra épica de 1998, algo está sucediendo; tanto que el director Terrence Malick tuvo que recortar varias horas de material, junto con actuaciones completas y las historias de los personajes, para que la película se pudiera ver.
Sin embargo, lo que quedó constituye una excelente y única película con mucha sustancia y emocionantes escenas de combate. El mejor diálogo en “The Thin Red Line” tiene lugar durante una de estas batallas infernales.
El teniente coronel Gordon Tall se está comunicando con el capitán James ‘Bugger’ Staros por un teléfono de guerra especial (a falta de una palabra mejor). Staros está liderando a un grupo de soldados en un intento de tomar la colina en la que los japoneses están abarrotados. Están enfrentando una resistencia extrema y muchos soldados están muriendo, y él y sus hombres se esconden detrás de una repisa que espera refuerzos. Tall ordena a Staros que envíe a todos sus hombres para atacar directamente a los japoneses, y Staros sabe que al hacerlo, estaría condenando a muerte a sus compañeros soldados. Argumenta con Tall y se niega a obedecerle una orden directa; Tall se queda sin palabras, al igual que todos en el escuadrón de Staros.
Las actuaciones de Nick Nolte y Elias Koteas son increíbles. Nolte es intenso mientras intenta que el capitán siga sus órdenes, mientras que Koteas lleva a cabo una peligrosa negociación con la vida de sus hombres en la línea. El incesante rugido de disparos y bombas está presente durante toda la conversación, lo que representa el peligro inminente que estos soldados deben enfrentar tarde o temprano.
Las mejores líneas: el capitán James ‘Bugger’ Staros: “He vivido con estos hombres, señor, durante dos años y medio y no los ordenaré a todos a muerte”.
11. Birdman
Cuando la gente dice que una película de Alejandro González Iñárritu es una obra maestra, les digo lo mismo que a un niño de 5 años que dice que el cielo es azul: “Por supuesto que sí, tonto”. Ve a ser redundante en otra parte ”. Porque, aunque solo ha hecho seis películas, todas son revolucionarias, profundas y verdaderamente excelentes.
Con “Birdman”, creó una de las mejores obras de arte del siglo pasado, combinando las actuaciones sobresalientes de todos los actores, la increíble cinematografía de Emmanuel Lubezki y un gran guión que le valió una gran cantidad de premios.
“Birdman” está lleno de un excelente diálogo, pero lo mejor es entre Michael Keaton y Edward Norton, ambos actores que están en desacuerdo entre sí.
El personaje de Keaton, Riggan, necesita un nuevo actor para la obra que dirige, por lo que su agente llama a Mike (Edward Norton), una estrella de Broadway conocida por ser bastante difícil de trabajar. Su encuentro comienza abruptamente cuando Mike comienza a criticar el guión, queriendo comenzar a ensayar una escena aleatoria sin prestar atención a los aspectos técnicos; esto lleva a un enfrentamiento impresionante entre estos dos grandes actores donde el personaje de Norton demuestra su talento, obteniendo el papel y la admiración de Riggan junto con él.
El diálogo se basó en una conversación real entre el director de la película y Edward Norton, en el que el actor interrogó a Iñárritu sobre el guión y los propósitos de cada personaje.
El escenario donde se desarrolla esta escena fue bellamente iluminado por el director de fotografía Emmanuel Lubezki; El movimiento suave de la cámara y la falta de cortes dan un flujo y un ritmo especiales al diálogo. Junto con los buenos ritmos de Antonio Sánchez, el primer encuentro de Keaton y Norton es emocionante y divertido.
Las mejores líneas: Mike Shiner: “De acuerdo, quédate conmigo. “Soy la persona equivocada para preguntar”, dice, pero ¿qué es eso, cuál es la intención en eso? ¿Está harto con el tema, entonces lo está cambiando, está desviando la culpa por el matrimonio? Y aquí está la cosa, después de eso tienes cuatro líneas que dicen lo mismo. “Ni siquiera conocía al hombre, solo escuché su nombre al pasar, no lo sabría, tendrías que saber los detalles …” El punto es que no conoces al tipo, nosotros … el rey lo consigue Haz que funcione con una sola línea: “Ni siquiera conocía al hombre”. ¿Derecha?”
Riggan: “Correcto. Sí. Tú también conoces mis líneas, ¿eh?
M: ” ¿No podemos quedarnos atascados en las líneas de conocimiento?”
10. Sin aliento
Arrancando la New Wave francesa como una sandía por un acantilado, el genio de Jean-Luc Godard brota de cada rincón de esta película.
Inspirado por las películas de gángsters estadounidenses, el protagonista de esta película está huyendo después de matar impulsivamente a un policía. Mientras se esconde, Michel se reúne con Patricia, una atractiva estadounidense que trabaja en la edición internacional del New York Herald Tribune en París.
La escena del diálogo tiene lugar en la pequeña habitación de hotel de Patricia. Aunque está en un gran problema, Michel se niega a dejarla. Ella actúa enojada, pero no puede resistir sus enfoques carismáticos. La conversación vaga alrededor de los celos de Michel y comentarios sueltos sobre su relación, ya que ambos fuman cigarrillos.
Nunca hablan de un tema específico, principalmente debido a la caótica técnica de edición de Godard que más tarde inspiraría a cineastas como Lars von Trier a hacer lo mismo. Cuando su productor le dijo a Godad que la película era demasiado larga, en lugar de cortar algunas escenas de la película, Godard eliminó fragmentos y piezas cortas, haciendo que “Sin aliento” fuera mucho más dinámico, peculiar y divertido.
El diálogo se filmó en la habitación de hotel real de Jean Seberg (la actriz que interpretó a Patricia); era tan pequeño que la filmación fue complicada, ya que la tripulación estaba abarrotada por dentro, pero valió la pena. La luz natural se ve hermosa junto con la estética clásica en blanco y negro.
Las mejores líneas: Patricia Franchini: “¿Conoces a William Faulkner?”
Michel Poiccard: “No. ¿Quién es él? ¿Te has acostado con él?
9. Bailarina en la oscuridad
La técnica de Lars von Trier para filmar diálogos es sobresaliente; Su objetivo es capturar momentos y sentimientos, en lugar de simplemente querer avanzar en la trama. Debido a que él también opera la cámara, el director puede interactuar con sus actores de una manera muy íntima, dando instrucciones en cada paso del camino y también otorgando libertad cuando sea conveniente.
Esta escena de diálogo es la fundamental de toda la película; El desarrollo del personaje esencial se entrega de manera fluida mediante gestos y una actuación sobresaliente de David Morse y (mi actriz favorita) Björk.
En la película, el protagonista se está quedando ciego debido a una condición hereditaria. Ella está trabajando horas extras en una fábrica para ahorrar dinero para pagar la cirugía ocular de su hijo; El único deseo de Selma es que su hijo viva una vida mejor con la vista normal.
Ella está hablando con su amigo Bill después de un día ocupado, y Selma se da cuenta de que algo anda mal con él y le pregunta al respecto. Bill confiesa, mientras llora, que está en bancarrota, heredó mucho dinero, pero todo se ha ido. El protagonista siente la necesidad de abrirle su corazón en este momento difícil; Selma confiesa que se está quedando ciega y que apenas puede cubrir los gastos básicos mientras ahorra en la cirugía de Gene. La protagonista habla de sus mecanismos de afrontamiento que constituirán el elemento musical de la película.
La escena es realmente emocional, establece el tono para el resto de la película, y el método de edición entrecortada de Von Trier estructura un tono muy inusual y cálido que es inherente a “Dancer in the Dark”.
Las mejores líneas: Selma: “Te gustan las películas, ¿no?”
Bill Houston: “Me encantan las películas. Me encantan los musicales ”.
Selma: “¿Pero no es molesto cuando hacen la última canción en las películas?”
B: “¿Por qué?”
S: “Porque simplemente sabes cuando se hace muy grande … y la cámara sale como si fuera del techo … y sabes que va a terminar”. Odio eso. Me iría justo después de la siguiente canción … y la película continuaría para siempre “.
8. El caballero oscuro
Creo que Christopher Nolan fue contratado por Marvel para destruir DC desde adentro; De hecho, sé que lo era. “¿Cómo puedes saber eso?”, Puedes preguntar. Bueno, esa es una buena pregunta para otro momento.
El plan de Marvel fue magistral: pagarle a un brillante director millones de dólares, así que acepta hacer algunas películas de Batman que son tan buenas que DC intentaría, sin éxito, replicar el mismo estilo para siempre, quedando atrapado en una espiral interminable de decepción y mediocridad ( Ver “Batman v Superman”).
Sorprendentemente, la mejor escena de toda esta franquicia de superhéroes es el diálogo con el Joker, en el que Batman interroga al payaso para averiguar la ubicación de Harvey Dent.
El Joker, siendo un imbécil y todo, no va a dejar que Bruce vaya a rescatar a sus amigos sin analizar filosóficamente su situación como un Sócrates insoportable y malvado. Batman se pone violento después de que su enemigo revela que también secuestró a su ex novia y que solo tendrá que elegir a uno para salvar.
El desempeño de Heath Ledger como el Joker es increíble. Su voz, sus gestos, su risa y el excelente guión constituyen el mejor villano de películas de cómics hasta la fecha. Me imagino que fue muy fácil para Christian Bale entrar en el personaje de esta escena después de ver la locura que Ledger expresaba; incluso permitió que Bale lo golpeara realmente, para preservar la autenticidad. Es responsable de uno de los mejores trabajos de actuación de todos los tiempos.
Las mejores líneas: El Joker: “No hables como uno de ellos. ¡Tu no eres! Incluso si te gustaría ser. Para ellos, solo eres un fenómeno, como yo! Te necesitan ahora mismo, pero cuando no lo hagan, te echarán, como un leproso. Usted ve, su moral, su código, es una mala broma. Caído a la primera señal de problemas. Solo son tan buenos como el mundo les permite ser. Te mostrare. Cuando las fichas están bajas, estas … estas personas civilizadas, se comen unas a otras. Mira, no soy un monstruo. Estoy justo por delante de la curva.”
7. Hombre muerto caminando
A primera vista, la trama de esta película no parece demasiado emocionante. Sin embargo, resulta ser una experiencia emocionante y seria que no está interesada en forzar su mensaje en las gargantas de la audiencia, sino que ofrece una verdadera descripción del debate sobre la pena de muerte y plantea importantes dudas con respecto a la filosofía del derecho.
Susan Sarandon interpreta a la hermana Helen Prejean, una monja que está intrigada por la historia de un preso condenado a muerte llamado Matthew (Sean Penn) y su posible inocencia. Ella trata de entenderlo, poco a poco, en un intento por descubrir su participación en los crímenes de los que está acusado. Aunque el objetivo principal de la hermana Prejean es que finalmente se arrepienta y acepte a Jesucristo, ella lucha en cada paso del camino para proteger a este hombre de sí mismo.
La escena tiene lugar en una celda aislada para los presos condenados a muerte. La hermana Prejean está visitando a Matthew el día antes de su ejecución; están separados por un vidrio grueso y un policía está sentado detrás de él, siempre atento a cualquier movimiento que haga. Aunque los personajes se enfrentan uno al otro en un estilo clásico de tiro al revés, podemos ver ambas caras en todo momento porque están reflejadas en el cristal.
Hablan de Dios y de la salvación divina de la que Mateo quiere ser digno. La monja le explica el sacrificio que está involucrado y no está contento con eso. Verlos interactuar es muy intenso; han sido separados por barras de metal y otras restricciones en todas sus otras conversaciones, pero ahora vemos que sus caras se reflejan en el vidrio a medida que se acercan a un nivel personal. Las actuaciones de Sarandon y Penn son impecables, ganando a Sarandon un Oscar a la Mejor Actriz, y se adaptan bien a las necesidades de esta maravillosa escena.
Las mejores líneas: Matthew Poncelet: “¿Alguna vez te sientes solo?”
Hermana Helen Prejean: “Sí, claro. A veces, los domingos, cuando huelo las barbacoas del barrio, escucho a todos los niños reírse y estoy sentado en mi habitación (risas). Me siento como un tonto “.
6. El séptimo sello
Ingmar Bergman es uno de los pioneros más importantes del cine filosófico. Sus películas son profundas y requieren múltiples visualizaciones para ser entendidas completamente.
“The Seventh Seal” es famoso por las interacciones entre Death y el personaje principal, Antonius Block, interpretado por Max Von Sydow. Juegan al ajedrez con un hermoso paisaje marino como fondo y, a partir de ese momento, la entidad nunca deja de perseguir a Antonius.
Su mejor escena juntos tiene lugar en una pequeña iglesia, donde Antonio confiesa sus pecados a un sacerdote a través de las barras de metal de un confesionario. El personaje principal desea creer en Dios, pero se siente frustrado por la falta de pruebas de su existencia; La fe no es suficiente para él, y entristece su alma. El sacerdote es en realidad la muerte disfrazado, y le hace algunas preguntas a Antonio para intentar descubrir por qué no quiere morir. Antonio dice que desea conocimiento, encontrarse con Dios en persona, descubrir el misterio; Está cansado de suposiciones y oraciones vacías.
Toda la configuración de este diálogo es magistral. La iluminación señala la dualidad de la muerte; está cubierto con una túnica negra, pero su cara es blanca y brillante. Las actuaciones son apasionadas y el dilema al que se enfrenta el personaje principal es el más universal de todos, lo que hace que la escena sea particularmente cautivadora, debido al hecho de que cualquiera puede relacionarse con el sufrimiento existencial de Antonio.
Las mejores líneas: Antonius Block: “Debemos hacer un ídolo de nuestro miedo, y llamarlo dios”.
5. El padrino
Estoy seguro de que presentar a uno de los mejores personajes de la historia del cine no fue una tarea fácil para Francis Ford Coppola y su equipo. Vito Corleone es considerado por muchos como el tipo más rudo que se haya puesto en pantalla. La primera vez que nos encontramos con él, es un anciano muy bien vestido que no se asusta demasiado. Sin embargo, la forma en que habla y cómo todos lo respetan, hasta el punto en que incluso un hombre grande y violento como Luca Brasi practica en voz alta lo que le va a decir como un niño nervioso antes de confesar un mal comportamiento, todo confirma que el Padrino se ha levantado a El poder debe haber sido verdaderamente salvaje.
En esta escena, un hombre le está pidiendo a Vito que venga a su hija después de que un grupo de chicos la golpearan sin piedad. Corleone se siente insultado por la forma en que este hombre lo está tratando, como si fuera un asesino vulgar desconocido; el Padrino, indirectamente, lo llama un hipócrita, porque solo reconoce su amistad cuando quiere un favor.
La tensión proviene de nuestra ignorancia sobre los personajes que vemos en la pantalla. No sabemos cómo el hombre importante en un traje elegante va a reaccionar a los enfoques torpes del hombre desesperado, pero aprendemos que Corleone es un individuo justo y tiene un código moral en el que la familia está por encima de todo.
La clásica cinematografía oscura por la que es conocida la franquicia de “El Padrino”, así como la increíble actuación de Marlon Brando con algodón en la boca y acariciando a un gato al azar que encontró en el escenario, hacen de esta escena una introducción inolvidable a la mejor franquicia cinematográfica de todas. hora.
Las mejores líneas: Bonasera: “¿Cuánto debo pagarte?” [El Don se aleja con desdén, pero Bonasera se queda]
Don Corleone: “Bonasera, Bonasera, ¿qué he hecho para que me trates con tan poco respeto? Si vinieras a verme en amistad, esta escoria que arruinó a tu hija estaría sufriendo este mismo día. Y si por casualidad un hombre honesto como tú hiciera enemigos, se convertirían en mis enemigos. Y entonces, te temerían.
B: “Se mi amigo … Padrino”.
4. Pulp Fiction
Esta película es el sueño de cualquier estudiante de cine. No solo porque Quentin Tarantino creó un clásico instantáneo que fue nominado a Mejor Película en los Oscar, sino porque la mayoría de los elementos de “Pulp Fiction” son, irónicamente, los que dominan los cortos indie, incluso antes del lanzamiento de esta obra maestra. La diferencia es que Tarantino los orquestó a la perfección, con actores profesionales, una cinematografía increíble, un guión perfecto, creatividad extravagante, un presupuesto pequeño y un montón de referencias cinematográficas.
Si tienes un guión impecable en tus manos, habrá muchas escenas geniales para elegir entre las mejores, especialmente aquellas con diálogos de gran nitidez, debido al estilo exclusivo de Tarantino. En mi opinión, la mejor es entre Vincent Vega y Mia Wallace en un restaurante llamado Jack Rabbit Slims.
Vega está conversando con la esposa de su jefe en este restaurante temático de los 50. Steve Buscemi, quien interpretó a un tipo que odiaba las propinas en “Reservoir Dogs” de Tarantino, ahora es un camarero. Él toma las órdenes de la pareja mientras conversan un poco, y su extraordinaria química lleva toda la escena. Esta es la primera vez que tienen una conversación adecuada, pero los personajes están muy bien desarrollados y los actores son tan buenos en su trabajo que todo parece natural.
El diálogo culmina con el concurso de danza clásica que todos conocemos. Y si has visto cómo se filmó ese fragmento, entonces eres consciente de que Tarantino es quien más ama esa escena.
Mejores líneas: Mia: “¿No odias eso?”
Vincent: “que?”
M: “Silencios incómodos. ¿Por qué sentimos que es necesario hablar de mentiras para estar cómodos? “
V: “No lo sé. Buena pregunta.”
M: “Ahí es cuando sabes que has encontrado a alguien especial. Cuando puedas callarte la boca por un minuto y disfrutar cómodamente del silencio “.
3. Botes de Inglourious
Creo que Perrier LaPadite fue el hombre con la peor suerte en “Inglourious Basterds”, y eso está diciendo algo. Algunos podrían argumentar que el personaje más desafortunado fue el joven en el bar que fue asesinado el día en que nació su hijo, o el personaje de Michael Fassbender, que fue asesinado a tiros antes de que pudiera compartir plenamente su atractivo sexual con el mundo, pero esa gente lo haría. estar equivocado.
El pobre Perrier tuvo que esconder a sus vecinos debajo del piso de su casa, a la espera de la visita de un escuadrón nazi liderado por el hombre más peligroso del mundo, mientras que tenía que mantener a su esposa e hijas, que podrían ser asesinadas o encarceladas si las cosas no vayas bien Es justo decir que estaba bajo presión. Así es como comienza la película, un buen hombre que se prepara para enfrentar el mal, y ciertamente las cosas no van bien.
Hans Landa, interpretado por el increíble Christoph Waltz (quien ganó un Oscar por sus esfuerzos en esta película), lo mata con su conversación de ritmo rápido, confianza innegable, talentos multilingües y sabiduría demoníaca. LaPadite, el granjero de hombres con suficientes bolas para enfrentar a los nazis solo, termina llorando y revela el escondite de su amigo. Se acabó todo y nunca sabemos qué pasará con él y su familia después de eso.
El diálogo es inteligente y nos permite echar un vistazo a la mente de un soldado nazi. Vemos a ambos hombres en el mismo plano cuando la intensidad es baja; Cuando llega el clímax, la presión también aumenta con los primeros planos de las reacciones del personaje y luego las balas pululan en la casa.
Las mejores líneas: Coronel Hans Landa: “Si una rata entrara aquí ahora mismo mientras estoy hablando, ¿le daría un platillo con su deliciosa leche?”
Perrier LaPadite: “Probablemente no”.
C: “No lo creí. No te gustan. Realmente no sabes por qué no te gustan. Todo lo que sabes es que los encuentras repulsivos. En consecuencia, un soldado alemán realiza una búsqueda de una casa sospechosa de esconder judíos. ¿Dónde se ve el halcón? Mira en el establo, mira en el ático, mira en el sótano, mira en todas partes * se * escondería, pero hay tantos lugares donde un halcón nunca se le ocurriría esconderse. Sin embargo, la razón por la que el Führer me sacó de mis Alpes en Austria y me colocó en el país de las vacas francesas hoy es porque se me ocurre. Porque soy consciente de las tremendas hazañas que los seres humanos son capaces una vez que abandonan la dignidad “.
2. El maestro
Si alguien me pregunta de qué trata esta película, probablemente me quede quieto mientras mi ojo se contrae y mi mente se esfuerza por formar una oración que no suene totalmente loca. Probablemente terminaría diciendo: “Se trata de un loco que hace su propio alcohol, que aborda un extraño barco (propiedad de un culto) por error y termina entablando amistad con el líder. Gran película certificada, hermano. “Aunque mi esquema no suena muy convincente,” El Maestro “es una obra de arte espectacular.
La escena del diálogo tiene lugar en dicho barco; Después de que Freddie Quell (interpretado por Joaquin Phoenix) aparece en un accidente, se encuentra con Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) y se enloquecieron debido a que ambos estaban locos, pero de diferentes maneras.
Lancaster procede a psicoanalizar a Freddie de una manera inusual; hace una serie de preguntas para descubrir quién es realmente y buscar la raíz de sus problemas. Cuando Lancaster siente que Freddie está mintiendo, él hace la misma pregunta una y otra vez, hasta que obtiene una respuesta satisfactoria. Lancaster luego le dice a Freddie que no parpadee, y si lo hace, comenzaría el interrogatorio nuevamente. Esta demanda agrega más tensión a la situación ya ferviente.
Los actores ofrecen las mejores actuaciones de sus respectivas carreras. Hoffman es serio y exigente, mientras que Phoenix es demente e inestable. Hacen una combinación aterradora en esta escena; Junto con un rayo mínimo y un gran guión, solo está encabezado por el número uno en esta lista.
Mejores líneas: Lancaster Dodd: “¿Amas a Doris?”
Freddie Quell: “Sí”.
L: “¿Es ella el amor de tu vida?”
F: “Sí, señor”.
L: “Entonces, ¿por qué no estás con ella?”
F: “No lo sé”.
L: “Sí lo haces. Dime por qué no estás con ella si la amas tanto.
F: “Le dije que volvería y nunca regresé y ahora solo … tengo que volver con ella”.
L: “¿Por qué no vuelves?”
F: “No lo sé”.
L: “Cierra los ojos. A partir de ahora, no debes parpadear. Si parpadeas volvemos al inicio.
1. habrá sangre
Como sugiere el título, la sangre está ciertamente en esta película, aunque está representada por el petróleo. A lo largo de la película, los perforadores bautizan a sus hijos con la sustancia química y se hacen varias referencias religiosas que confirman esta analogía.
Uno de ellos es el conflicto entre el magnate del petróleo y el protagonista Daniel Plainview (interpretado por Daniel Day-Lewis) y el sacerdote rural Eli Sunday (Paul Dano). Eli se muestra humilde y pacífico en la visita de Daniel para extraer el petróleo que se encuentra en la propiedad familiar del sacerdote. Sin embargo, está claro que Eli es tan mezquino y egocéntrico como Daniel, él simplemente elige ocultar este hecho bajo el velo de la religión, mientras que Daniel se disfraza de hombre de familia.
Justo cuando la codicia finalmente corrompe todo el espíritu de Daniel, Eli decide visitarlo en su elegante bolera, en un intento de venderle un negocio petrolero. Daniel se da cuenta de que el sacerdote está desesperado, por lo que dice que aceptará el trato si Eli admite que su fe es una farsa. Después de un momento de duda, Eli acepta sus condiciones, poniendo dinero sobre la pasión de su vida. Daniel luego confiesa que ya ha drenado el pozo de petróleo que está ofreciendo, destruyendo así por completo al joven sacerdote. Se vuelve maníaco y se rompe la cabeza de Eli con un boliche.
La acumulación de la escena es fantástica. El conflicto entre estos dos se remonta, y finalmente se resuelve de la manera más firme posible. Ambas actuaciones son espectaculares, especialmente la de Daniel Day-Lewis, quien ganó su segundo Oscar al Mejor Actor por este papel. Es cruel y desalmado mientras aplasta a su contraparte con enojo y satisfacción. La cinematografía es impresionante a lo largo de toda la película, donde todo acto despreciable se comete a simple vista, como si no hubiera escapatoria a la culpa y la vergüenza.
Las mejores líneas: Eli Sunday: “Si solo tomaras …”
Plainview: “Se pierde”.
E: “… este contrato, Daniel …”
P: “¡Drenaje! Drenaje, Eli, chico. Escurrido en seco. Lo siento mucho. Aquí, si tienes un batido, y yo tengo un batido, y tengo un sorbete. Ahí está, eso es una paja, ¿ves? Míralo. Ahora, mi pajita llega a la habitación y comienza a beber tu batido. Yo … bebo … tu … batido de leche “ [sonido de succión]
Autor Bio: Juan estudia filosofía. Le encantan las películas y la música y planea ir a la escuela de cine con su gato.
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Marilyn Monroe era conocida por su sexualidad y esta escena es una de las cosas más memorables con las que dejó el mundo. 
