Me siento alentado por las otras respuestas que veo aquí. Juntos constituyen una sorprendente retrospectiva del formato monocromático.
Por supuesto, para empezar, en los años 20, en la película, no había elección de color o B / W. Y esas películas son particularmente interesantes para ver cómo utilizaron la iluminación, la sombra, la textura, la gradación, el patrón y la profundidad de campo para llevarte a ese mundo de bronce cálido y aterciopelado como proxy del color fuera del teatro.
Luego, más tarde, hubo aquellos que simplemente carecían del presupuesto para el color y fueron relegados a B / W. Películas “B”, o simplemente proyectos de estudio de presupuesto medio conservadores. Ellos también hicieron tanto con las técnicas de claroscuro que se convirtieron en emblemáticos de la magia del cine monocromático.
Y finalmente hubo aquellas contribuciones que, dada la misma elección o incluso la supuesta preferencia por el color, eligieron el blanco y negro por su impacto, por su arte y por sus credenciales históricas.
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Todas estas divisiones han producido películas buenas y malas. Y muchas veces, produjeron películas de excelencia que hubieran sido excelentes en color o en monocromo.
Consideré nuestra tarea al responder a esta pregunta como un desafío … recomendar películas que vivían en su mundo en blanco y negro, donde el color hubiera sido tan natural y bienvenido como las luces deslumbrantes en la última llamada de un bar de buceo. Y muchos de ustedes respondieron con esa norma tan obviamente en el corazón.
Eso deja solo mis adiciones a esa lista, y revisé cada respuesta para no duplicar los ejemplos hábilmente elegidos de nadie más. Y mis pocos ejemplos aditivos están en las tres divisiones de “por qué”.
Battleship Potempkin – Una película muda de Sergei Eisenstein. Un dominio de la fotografía a través de ángulos de película y pensamiento serio sobre el bloqueo de la luz y la oscuridad. Una idea de la edición superando todo lo que los cineastas estadounidenses harían por décadas. No hace falta decir que B / W era la única forma, y Eisenstein le enseñó al mundo lo rico que podía ser B / W con esta entrada.
The Petrified Forest – También con B / W como la única opción, tenemos una película estilísticamente completamente diferente, siendo una película estadounidense, rodada en su totalidad en el lote de Warner Bros., y que también resultó ser la primera función cinematográfica de Humphrey Bogart. también. Aquí, el trabajo de la cámara era pesado y pesado, enfatizando la monotonía … incluso sugiriendo una falta real de color en aquellos días en los que no había mucho polvo, que estaban vacíos y agotados. Estaba oscuro, y era implacable, como la trama y la de la obra anterior. Se adaptaba exactamente al diálogo, especialmente al de Leslie Howard como poeta, en un momento sombrío, en la vida y en el medio ambiente. Howard, el célebre actor, exigió que, cuando se les pidiera que hicieran la versión cinematográfica para Warner, hicieran el elenco de la obra de teatro, el joven Bogart, conocido en ese momento en el mundo del cine como una segunda pista en secuaces olvidables y papeles románticos. – Howard tenía razón. Aquí (y tal vez en la mayor medida posible en su carrera, al menos hasta The African Queen), Bogart mostró una excelente moderación en el diálogo, siendo tan gutural aunque no mortal en un estudio de personajes escalofriante como lo había hecho.
Rebecca – Una poderosa película de Hitchcock estadounidense de posguerra. Hitch utilizó todo el drama y la intriga que pudo extraer de las acciones de B / W. En ese momento, en ese año, B / W era su única opción. El estudio solo vio su obra en blanco y negro. Las vistas eran altas, enfatizando la grandeza de la casa … y es un personaje temible. Se adaptaba perfectamente a Hitch y la cámara. El color bien podría haberlo matado.
Rififi : la última película de esta lista que se realizó en B / W. Fue dirigido por Jules Dassin, víctima y expatriado de HUAC, ahora en Francia pero que, a pesar de su nombre francófono, era estrictamente neoyorquino. Y en Francia, fue B / W o nada para él a principios de los años 50. Esta película se ve como un noticiero granulado, pero no de forma óptica o de baja tecnología. Más bien fue la trama; Fue la edición; fue el verité (falta de) diálogo. Remachando, pero debido a que está subtitulado, muchos estadounidenses cobardes no lo han visto. Sobresaliente en todos los aspectos.
Laura – Laura fue una película de Hollywood, con estrellas reales y actores importantes. No era una película “B”, pero mientras que el color estaba disponible para ella, estaba destinado a B / W. Sin darse cuenta, mostró la decisión de Hollywood de que las películas de misterio / intriga se veían igual de bien (si no mejores) en monocromo. Algunos chicos inteligentes que tenían allí. El color simplemente habría sido una distracción del peor tipo en esta película. Todo, desde el retrato del héroe hacia abajo, habría ganado brillo involuntario y autocomplacencia como se muestra en color en esta película. B / W conserva el misterio y el carácter magistral del juego de fotos.
Planeta prohibido – Una película de ciencia ficción. Budg bajo. Como todas las películas de género de estudio fueron. Sin embargo, para una película de género, se le brindaron oportunidades sin paralelo, entre las que se encuentran los efectos visuales de Walt Disney Studios. Para cualquiera que estuviera en el negocio en aquellos días, eso era nada menos que histórico. Por supuesto, si se les hubiera permitido hacerlo en color, seguramente lo habrían hecho. Pero aquí está la cosa: esos sets futuristas en color de la década de 1950 se habrían parecido a Star Trek, diez años después. Como se filmó, la tecnología aclamada parecía positivamente opresiva y claustrofóbica. Con un robot clásico, sí, pero también la sensación de que (o cualquier cosa) podría destruirte.
Touch of Evil : ahora el jurado está deliberando sobre si Orson Welles eligió B / W, o se lo entregaron, ya que en este momento ya había sido derrotado por los monitores de ganancias del sistema de estudio. Filmado como lo fue en el estudio, el B / W fue una ayuda inestimable para permitir al menos la simple posibilidad de que estuviéramos viendo el oscuro interior de una ciudad fronteriza mexicana en mal estado … con Charlton Heston como jefe mexicano. Oy SMH! Sin embargo, Heston en el papel hizo que el estudio invirtiera, que hizo la película, repleta de montones de valor de producción en blanco y negro.
Manhattan de Woody Allen: si ‘Annie Hall’ fue el cambio radical en la profundidad de las películas de Woody Allen hasta ese momento, entonces Manhattan fue la primera evidencia de su maduración. Totalmente diferente de la luz rastrera de Noir, o el aspecto oscuro de los misterios de la época, era más bien la imagen de Julia Cameron de imágenes en movimiento … la connotación, no la denotación. Era un amor a Nueva York como una ciudad envuelta en su propia manta de la historia como telón de fondo por un simple momento … el de la película. Y fue brillante como tal.
Eraserhead : la primera película de David Lynch y la más surrealista de una serie de proyectos surrealistas. Poco me gustaría decir de Eraserhead y sus referentes … pero su uso de películas monocromáticas fue inspirado, y me encantó. Es una película extraña y digna.
El hombre que no estaba allí : último en la lista, tenemos una película de Coen Bros. Ethan y Joel Coen eran conocidos por sus referencias de Noir desde su primera película, Blood Simple. Parecían “obtener” el género mejor y más plenamente que cualquier otra persona que luego haciendo películas. El hombre que no estaba allí simplemente fue su intento de hacer algo que invocara específicamente el artificio puro de Noir. Su dominio fue completamente evidente en el producto final. (Revelación completa: fui el diseñador gráfico de esta última película. Dicho eso, había sido un gran fanático del trabajo de Coen anterior a él, y nada de lo que relataba tan maravilloso sobre la película se habría reducido por razones de mi ausencia Estuve agradecido por la oportunidad y la experiencia.